Archivos Mensuales: noviembre 2011

El arte es tramposo. Pinturas 3D en la calle

Nunca hemos contemplado en vivo las obras de las que pensamos contarles en este post, pero debemos reconocer que estas pinturas 3D en la calle son puro arte en aire libre, donde cualquier gota de lluvia amenaza la creación y a su creador. Pero, ¡qué suerte que hay fotos cuyo rol es inmortalizar las imágenes artísticas!

Estos dibujos, pintados con tizas, engañan el ojo, desde la primera vista. ¡Observemos una de las pinturas callejeras de Eduardo Relero, un artista argentino que reside en España! ¡Observemos su visión, su perspectiva!

Vida interior de Anton Martin. Autor: Eduardo Relero

Utiliza la técnica anamórfica, una clase de arte, originaria de China, en la antigüedad. En Europa, se dio a conocer en el siglo XVI, durante la conocida época del Renacimiento. Es un concepto que crea en el espectador la ilusión de espacios, mediante la técnica de la perspectiva y otros efectos ópticos. El dibujo incluye un círculo en el que se debe emplazar un cilindro (o un cono) metálico en cuya superficie aparece reflejado – distorsionado – el dibujo que le rodea. Para poder apreciar estas pinturas, hay que mirar del ángulo adecuado. Si las miramos de frente, parecen extrañas y absurdas. Por eso, el artista los retiene hasta sacar la foto. Artistas como el famoso Julian Beever o el aleman Kurt Wenner han demostrado manejar muy bien esta técnica.

Pueden que a algunos, este tipo de arte no les guste nada de nada, pero, para otros esta manifestación en la vía pública es indiscutiblemente, G-E-N-I-A-L. Seguramente, muchos de vosotros habéis ya recibido por mail una muestra o habéis visto en Internet pinturas de este tipo. Aun así, queremos compartir este video, que reúne los más espectaculares dibujos 3D en el pavimento.

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Asombradas con las sombras chinas

El sábado pasado, leíamos en la prensa española que Unesco elevaba las sombras chinas a patrimonio de la humanidad. Nuestro NetArtHunter, empedernido a cualquier forma de expresión artística, no podía pasar de vista (o, de entrada), este tema. Así que, decidimos enfocar nuestra atención en las denominadas ‘Sombras chinescas’. De los que nos enteramos, serréis testigos vosotros mismos, nuestros queridos lectores.

Mover las manos entre una fuente de luz y una pantalla o pared, con el objetivo de proyectar sombras que representan distintos seres en movimiento. Es así como definiríamos este tipo de arte. De hecho, todo empezó como un juego popular hace unos dos mil años. Se llaman ‘chinescas’ pero no es China su país madre, sino Indonesia, la Isla de Jawa, para ser más precisas. Solo que, mucho antes de que fuera inventada la película cinematográfica, se veía el teatro de sombras chinescas en el ámbito rural de China.

La cultura china integra las sombras, como arte teatral

Se preguntarán por qué este arte se fue popularizando, poco a poco, en todo el mundo. Porque la fuerza teatral y literaria, donde se integran artes plásticas, música y la acrobacia, fue ganándose el aprecio del público. La imaginación de los artistas de sombres chinas va mas allá de proyectar distintos personajes; los ubica en escenarios adecuados a la trama, como quioscos, montañas, piedras, árboles, carros, sillas etc. El modelado supone también exagerar los rasgos faciales de los personajes. Por ejemplo, para representar personajes malvados, se exagera los ojos, y se acentúa las cejas. Para los payasos, se exagera la boca y dientes, y se pinta un círculo blanco para mostrar el humor del personaje.

Por lo que vimos, nos dimos cuenta que este tipo de arte es especial, una forma de entretenimiento cultural, que te hace vivir – como cualquier obra -, alegrías y tristezas. Esta manifestación artística no tiene edad, en cuanto a sus espectadores. Niños o adultos, todos parecen aprovecharla al máximo.

Gracias a la nueva tecnología acústica, electrónica y óptica, el arte de sombras chinescas de China se desarrolla más rápido. Os dejamos unos ejemplos, desde los más sencillos, hasta los más complejos. ¡No se fíen, no es tan simple como pueda aparentar! Pero, podrían intentarlo en sus casas. Tal vez, descubren un talento con histórico oriental, bien escondido….

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

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Vida

Éste es tan sólo un regalo que queremos haceros.

Danza Contact Improvisación

Centro frágil e inquieto que las formas no alcanzan.

Artaud.

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Happening

Una vertiente más, como el Net-Art, efímera.

Agradecemos que hace unos días, recibimos unos comentarios acerca del concepto de arte y la posibilidad de que este se manifestara en el tiempo real del artista, cuestionándose si era necesario el paso del tiempo para su cristalización y valoración. Habiendo respondido ya a esa pregunta, comprendemos necesario hablar de otras vertientes, que ejemplifican algunos de los rasgos indiscutibles del arte; su posibilidad de perdurar en el tiempo (pasado, presente y futuro), o por el contrario, de ser efímero. El arte siempre nos hace pensar, ese es el fundamento de la cultura y la definición del ser humano. Pensemos pues, pero dejándonos llevar, despertando nuevas posibilidades, eliminando las barreras  y permitiendo el flujo natural.

Excerpt from Variations V, performed by the Merce Cunningham Dance Company, with choreography by Merce Cunningham, film direction by Stan VanDerBeek, and music by John Cage.

Según César Oliva y Francisco Torres Monreal, memorable y de gran significación fue la velada de John Cage, en verano de 1952, en el comedor del Black Mountain College, de Carolina del Norte. En ella, David Tudor interpretó la pieza Silencio 4’ 33’’. Con traje de etiqueta, el pianista, sentado ante su instrumento, se limitó a cerrar y abrir la tapa del piano para marcar los movimientos de la composición, sin tocar una sola nota. La música estaba formada por la respiración y las reacciones de los oyentes, los ruidos de la sala, y de los coches que pasaban por la calle, la lluvia en el tejado, el viento de los árboles. Otros números de la velada: actores, entre el público, colocado en el centro del comedor, recitaron otros textos; sobre el techo aparecieron proyecciones (el cocinero, el solo); Merce Cunningham improvisó una danza en torno al público; un perro lo siguió…

Al igual que algunas influencias recibidas por el Net-Art, si examinamos por separado cada una de las partes de estrambótica velada, así como su ensamblaje, advertimos que todo esto nos recuerda las síntesis futuristas, imitadas luego por los dadaístas. No obstante, el experimento tenía más bien carácter de invención en un tiempo en el que, consolidadas ya las vanguardias plásticas (como el body-art), confirmada la evolución de la nueva música y cuestionado tanto el texto como la conformación del teatro en su estructura espectacular, en su espacio de juego, en su relación con el público, todo tiene un carácter de gran seriedad y respeto.

Es cierto que se empezaba a tener conciencia del colectivo teatral, por tanto, había que tener en cuenta al destinatario del acto teatral. Hasta entonces, el espectador había sido mero receptor; nunca partícipe.

Sin embargo, integrar al público en el espectáculo era tarea compleja. Los primeros logros parten del happening americano, en el que, para que el espectador entrase en la obra, el emisor no debía presentarla como un todo acabado. Se pensó entonces, que lo importante no era el resultado, si no su proceso. El happening derivaba del action-painting o pintura en acción.

La alusión a Pollock es inevitable, que trabajaba con el ingenio y la espontaneidad del artista, con la posibilidad de poner siempre algo nuevo; un rasgo, en otro contexto, heredado por nuestros artistas de la red. Pero lo más importante era que, como esta pintura se presentaba abierta, ello incitaba al espectador a continuarla, lo que suponía el modo más perfecto de participación.

Teniendo como quizás, el referente de la primera obra de happening en el pintor Allan Kaprow, el happening supuso un esfuerzo confiado en poner al servicio de todos los hombres los recursos de la tecnología, haciéndolos conscientes por medio del arte –cine, danza, poesía, teatro, música-, de las riquezas cambiantes y múltiples de la existencia.

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Primer museo 3D en la red…by Valentino

Todas las revistas de moda en papel y online, los periódicos del mundo entero nos informan que se acerca la inauguración del museo virtual del conocido diseñador italiano Valentino Garavani. El creador de piezas exquisitas dignas de mujeres como Jackie O’ y Elizabeth Taylor, la programó dentro de 15 días (5 de diciembre). En avance, enteraos que habrán vestidos llevados por antiguas y actuales estrellas de Hollywood como Julia Roberts y  Sophia Loren.

Los amantes de la moda y del buen gusto tienen que estar preparados para ver más de 300 vestidos clave, fotografiados en 3D. Un primer clic y las fotos giraran para mostrar cada línea y punto de la obra. Un segundo clic y saldrá la historia del vestido, que personalidad artística lo llevó, dónde y cuándo. La aplicación descargable en cualquier ordenador será dominada por dos colores muy femeninos : rojo y blanco.

El creador Valentino, entre sus maniquíes

En lugar de llamarse museo de arte – ¡que ya hay muchos en el mundo! – este será un museo de moda, en el que admiraremos galerías, salas y alas. Museos tipo “fashion”, ya se habían estrenado bajo marcas como Armani, Max Mara and Dior o Gucci. Una galería de moda online no es tan común, aunque hay un ejemplo : hace dos años, el creador italiano Salvatore Ferragamo estrenó su propio museo online, mostrando viejos archivos de su trabajo e imágenes de sus diseños.

Con esta nueva experiencia, intitulada “ Recuerdo Futuro”, el gran maestro de la Alta Costura quiso, entre otras, inspirar más de cerca los miles de estudiantes y jóvenes diseñadores.

Un resumen de lo que verán esta en YouTube:

Si no os queréis perder nada de este evento, la pagina Valentino-Garavani-archives.org está disponible para más noticias.

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Gorrillaz una “banda virtual”

Gorillaz es un proyecto musical británico creado en 1998 por Damon Albarn de la banda de rock alternativo Blur. Blur es un grupo de britpop formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista; teclista Damon Albarn, el guitarrista ; vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en una de las bandas más grandes del Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.

Después de una pequeña crisis cambiaron su estilo y se convirtieron  en Gorillaz. Son una “banda virtual” que fue creada por Jamie Hewlett, co-creador del comic book Tank Girl en Essex, Inglaterra. Un día mientras miraba MTV, Hewlett tuvo la idea de crear a la banda. En una entrevista comentó: «Si alguien mira MTV durante demasiado tiempo, podrá darse cuenta que es como el infierno,  no hay nada entretenido allí. Así tuve la idea de crear una banda de dibujos animados con Albarn».

Gorillaz está representado por cuatro personajes de dibujos animados: 2D, Murdoc, Noodle y Russel. Son usados para el material promocional, como en las portadas de discos, en carteles y en los conciertos, en los cuales se utilizan hologramas de los personajes.

Su música ha sido considerada como una mezcla de hip hop, electrónica, dub y pop. Gorillaz ha lanzado cuatro álbumes de estudio con las compañías discográficas Parlophone y Virgin: Gorillaz en 2001, Demon Days en 2005, Plastic Beach en 2010 y The Fall en 2010.

El cambio virtual es increible, como pasaron de ser un grupo normal o cumún de música Britpop a ser un grupo con una mezcla de estilos musicales entre el Hip-hop Americano , Indie Pop, Ambient, música latina… convirtiendose en un grupo muy moderno con un cambio notable en su imagen, pasando de ser una banda de “carne y hueso”  a una “banda virtual”.

Así eran y en esto evolucionaron.

   En vivo.

En videoclip.

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ARTE ARTE ARTE

Hoy os mostramos a una gran artista plástica Argentina Marta Minujín. Ha usado siempre la frase “todo es arte”, que sintetiza la concepción de la creadora, convertida en el paradigma de su generación.

Decidida a internarse en las artes plásticas, Marta Minujín comienza a estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes. A pesar de obtener excelentes calificaciones en dibujo, pintura y escultura, Marta no se siente conforme con lo que hace. Está interesada en ser una artista de vanguardia y lo que realiza no le parece acorde a esa tendencia, por lo que decide abandonar sus estudios. Le interesa la obra de Alberto Greco; cree en la necesidad de un arte que logre sobrecoger al espectador, que salte del plano y se instale en la tridimensión, ideas que comparte con Rubén Santantonín y Emilio Renart.

Un día, mientras pintaba un cuadro para el que necesitaba mucha carga matérica, decide pegar sobre la tela una parte del colchón de su cama. En ese momento descubre una veta que le parece original y decide explorarla. Sus primeras obras con colchones se exponen en la Galería Lirolay, donde la descubren los críticos Germaine Derbecq y Jorge Romero Brest.

En 1961 gana una beca y se va a estudiar a Paris. Allí se vincula con artistas del Nouveau Realisme, informalistas y de otras orientaciones, entre quienes se cuentan Niki de Saint-Phalle, Jean Tinguely, Christo, Lourdes Castro y Robert Rauschenberg. Al año siguiente comienza sus estructuras habitables cubiertas de colchones -realizadas con colchones encontrados entre los desechos de los hospitales parisinos- y sus primeras performances. Paralelamente, se adscribe a las teorías de la “muerte del arte”, evitando el mercado y los museos, realizando obras efímeras y destruyendo su obra plástica anterior.

Dentro de este pensamiento se inserta La Destrucción, su primer happening realizado en 1963.

Si pinchais en esta fotogrfía descrubrireis mucho más sobre esta singular maestra del arte.

Una de las características cualificaticas de su obra es el carácter efímero.  Es una expresión plástica de carácter breve y fugaz. Arte para las masas que es de corta duración. Arte fungible que desaparece o se consume delante del espectador; Esta forma de arte se convierte en una manera de incorporar el mito, y la obra, al individuo, pasando de pasivo observador a ser activo participante, consumidor, como elemento conceptual de incorporar no solamente el arte, sino toda su carga simbólica y cultural.

Marta Minujín ha hecho del Arte Efímero una marca registrada que recorre toda su carrera. Por ejemplo:

En 1973 Soft Gallery

Galería Harold Rivkin. Washington D.C. Estados Unidos. 200 colchones atados entre sí con sogas recubren paredes, techo y piso de la galería. Durante el tiempo de la muestra se realizan diferentes eventos organizados conjuntamente por Marta Minujín y Richard Squires.

Y por último de similares características e ideología, Minujín y Warhol compartieron una amistad cuando se conocieron una galería de arte, durante su estancia en Nueva York. Junto a él compartió el ambiente artístico de la época. En 1985 realiza la famosa obra fotográfica en la que paga al artista norteamericano, la deuda externa argentina con choclos, según sus propias palabras “el oro latinoamericano.”

“Llevé todos los choclos, hice una montaña, pusimos dos sillas y nos sacamos diez fotos. Yo agarraba el choclo, él subía, yo se lo ofrecía y él lo aceptaba. Así la deuda externa quedaba paga. Pensando que yo era la reina del pop por estos lados y él, el rey del pop por allá, tenía sentido que saldáramos la deuda. Después regalamos los choclos firmados a la gente. Esa fue la última vez que lo vi. Murió dos años después.”

Marta Minujíncolor
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Aleph, mini-enciclopedia del net-art

El net-art es un concepto relativamente nuevo. El termino nació en 1995, cuando el artista sloveno Vuk Ćosić recibió un mensaje anónimo, donde las únicas letras descifrables formaban la palabra Net.Art. Relacionado con el arte de las vanguardias, por sus características (cuestionamiento del papel del autor, la originalidad de la obra, su comercialización, trabajo colectivo etc.), este fenómeno ha evaluado desde unas representaciones ilegibles, low-budget, a unas verdaderas obras de la red, que aportan económicamente, también.
 

Net.Art. Origen del termino

 

 La revolución digital, todo lo que lo que precede y rodea la época del net-art, las aportaciones de los artistas, junto con numerosas críticas especializadas se encuentran en un nodo de información muy importante (quizás, el más importante en castellano relacionado con este tema): Aleph-arts.org. Según mis propias investigaciones, parece ser el pilón de varias tesis, o las obras del net-art escritas a lo largo del tiempo.

 Durante 5 años, (1997-2002), Aleph ha producido sus obras y artículos para que el publico pueda familiarizase más con este concepto, para entenderlo y tal vez, formar parte de el. Su creador, José Luis Brea, profesor de la Universidad de Cuenca intentó hacer un proyecto amplio, tratando de averiguar cuales son las transformaciones que la red posibilita en las prácticas artísticas contemporáneas. A la vez, en esta pequeña enciclopedia del net art, los autores desarrollaron un sistema de aproximación crítica a las posibilidades de la red a través una recopilación de textos.

Aleph. Sección Pensamiento

El website tiene 4 secciones. La primera, denominada, “net-art” contiene una selección de obras presentadas o producidas por este propio medio. Entre ellas destacamos la de I/O/D 4: ‘The Web Stalker’, los proyectos de la famosa autor de hiperficcion, Dora García, etc. En la sección Eshows, se albergaron algunas exposiciones internacionales claves para entender el desarrollo del net.art; entre ellas destacamos el “Digital Studies”(Estudios Digitales), organizada por Alt X y Rhizome a finales de 1997, otro de “Beyond Interface” 24 (Más allá del interfaz). Otra parte se llama “pensamiento”; en ella encontramos traducciones en castellano de algunos de los textos representativos para el net-art, así como otros textos de carácter que subrayan las conexiones críticas y políticas, prestando atención al estudio de las nuevas formas de comunicación y activismo que se asocian a él. La ultima sección es la lista de correo, Eco.con unos mil suscritos, que se convirtió en un importante instrumento de comunicación, dedicada a tratar temas de arte y cultura contemporáneas.

Aleph ha organizado también la sección de net-art dentro de Arco electrónico, en diferentes ediciones. En 1998, presentaron bajo el título “Lo Mejor de los 2 Mundos” , una selección internacional de webs implicadas en el net-art, y en el 1999 presentaron “La Era Postmedia”, un intento de redefinir el espacio contemporáneo del público.

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Videoarte

El Videoarte, es una de las tendencias artísticas que surgieron al hilo de la consolidación de los medios de comunicación de masas, y que pretendían explorar las aplicaciones alternativas y artísticas de dichos medios. Significa narrar y hacer propuestas que incrementen las emociones del espectador y  lo lleven a reflexionar sobre su ser.

Se entiende por Videoarte toda aquella obra en la que total o parcialmente se utiliza de la tecnología vídeo, bien sea en formato electromagnético o digital, y donde la creación audiovisual presenta una intencionalidad claramente artística. Se entendiendo por intención artística toda aquella que añade un contenido experimental extra ( bien sea formal, poético, filosófico, etc.) a la creación audiovisual en sí, mediante la utilización de unos recursos técnicos, narrativos, estéticos, conceptuales, y no meramente comunicativos- informativos. Se podría hablar también de Videocreación o Creación Audiovisual. Al parecer el termino Video arte, se adoptó poco después de su surgimiento en Alemania, a principios de los sesenta. Aunque al principio simplemente se hablaba de video-tapes, poco después se empezó a hablar de video-esculturas,video-performances o de autorretratos videográficos.

De manera que se trata de una manifestación que significa una ruptura con lo convencional o “visualmente correcto”, pues se vale de parámetros espacio-temporales e interactivos completamente distintos. Donde podemos ver las distina técnicas de realización.

– Slow motion o camara lenta es un efecto visual que permite retrasar artificialmente una acción con el fin de aumentar el impacto visual o emocional. La camara lenta se obtiene rodando una escena con un número de imágenes por segundo superior a la velocidad de proyección. Al pasar el registro con un número de imágenes por segundo normal, la escena, más larga, da la impresión de desarrollarse lentamente.

Stop motion, paso de manivela o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.

-La animación 2D es aquella técnica para dar sensación de movimiento a imágenes o dibujos. Para realizar animación existen numerosas técnicas que van más allá de los familiares dibujos animados. Los cuadros se pueden generar dibujando, pintando, o fotografiando los minúsculos cambios hechos repetidamente a un modelo de la realidad o a un modelo.

– Hoy en día la animación 3D, es una de las técnicas más empleadas y con mayor auge en la industria cinematográfica y televisiva. En la animación 3D, los elementos, personajes y escenarios se construyen o modelan en 3 dimensiones o ejes. El ordenador y las diferentes herramientas (software) que se utilizan permiten generar toda clase de formas, aplicar todo tipo de características superficiales, efectos especiales. Permitiendo expresar ideas y conceptos de manera gráfica por medio de imágenes en movimiento.

– Solemos llamar time-lapse a una secuencia de vídeo acelerada, donde los acontecimientos suceden a una velocidad mucho más rápida de la normal.Para obtener películas time-lapse existen diversos métodos: Podemos grabar una secuencia con una vídeo cámara y luego acelerar la película en cualquier programa de edición de vídeo. Otro método es la captación de imágenes a determinados intervalos de tiempo. Vamos disparando una fotografía cada cierto tiempo, y al unir esas imágenes en un programa de edición de vídeo , obtenemos una película con el efecto de imagen acelerada característico del time-lapse.

Tilt shift es una técnica que produce unos efectos surrealistas, haciendo que cualquier cosa en miniatura (mediante la utilización de maquetas) aparenten  tamaños reales o grandes espacios . Así mismo es una manera genial de llamar la atención a un lugar específico dentro de la fotografía.

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Net-Art y Ciberfeminismo

Botticelli

Esta vez nuestra entrada quiere sumergiros en unas reflexiones que hemos encontrado acerca de los lazos entre la mujer ciberfeminista y el Net-Art, resultado de un estudio de Remedios Zafra (escritora e investigadora especializada en ciberfeminismo); unos pensamientos que como mujeres y hombres contemporáneos debemos conocer.

Del mismo modo que la unión entre mujer artista y mujer feminista ha sido notable en las últimas décadas también lo ha sido el interés de las artistas feministas por Internet y los medios de comunicación, pues ellos son ventanas que se abren para permitirles gritar al viento aquello que ha sido silenciado durante siglos.

Quizá el punto más sugestivo de la vinculación del trabajo creativo a la lucha política ciberfeminista venga del lado de la nueva responsabilidad de la creatividad en la época contemporánea en relación a la construcción de identidad. Una nueva responsabilidad que nos hablaría de producción inmaterial, de la producción de deseo, de significado, de la producción de afectos y emotividad.

Lo cierto es que el arte de la mujer a través de las tecnologías desempeña un papel conocido dentro de nuestra cultura actual. Las mujeres artistas han sido precursoras en la producción artística con nuevas tecnologías. En ellas han visto una menor carga simbólica que en las prácticas y técnicas tradicionales.Mercedes Rodríguez

En los primeros años del Net-Art, también al principio del ciberfeminismo, el estímulo consistía en aprovechar el carácter novedoso del medio, recorrer el desierto con todo lo política y socialmente conmovedor de los espacios por hacer, de los dispositivos por dar forma política y social. Encontramos pues numerosas coincidencias al respecto.

Uno de estos elementos comunes podría ser el gran interés con que los net-artistas y las ciberfeministas se enfrentan al medio y a la estructura horizontal de la red. Internet como espacio político y como estructura desjerarquizada ha sugerido a muchos la idea de una colectividad utópica, constituida como esfera pública compuesta por todos los seres humanos, todos conectados a una gran red, la gran aldea global. Sin embargo, si la estructura horizontal del medio inducía a imaginar ideales estados de convivencia como ése (libre circulación de la información y desarrollo de una democracia efectiva), graves dificultades se filtraban sobre las luchas políticas a este respecto.

Ocultos tras una estructura desjerarquizada se idean nuevas y perspicaces estrategias de jerarquización y se dedican grandes esfuerzos a rehacer la historia, a mantener las mismas formas de poder en lo social y también en lo artístico.

Igualmente, la resistencia a la inscripción desde el Net-Art tendría mucho que ver con el ciberfeminismo, sobre todo en sus pretensiones políticas. Si del Net-Art podemos mencionar su relación con las instituciones y el mercado, del ciberfeminismo podríamos hacer referencia a la desilusión por apenas poder introducir sus debates en foros no específicos, más allá de los grupos feministas y artísticos.

Juanita MarkezEn ambos casos se trataría de que su infiltración en los estamentos de legitimación pública no haya logrado modificar a estos estamentos y, en muchos casos, ni siquiera hayan logrado entrar.

Estos obstáculos condicionarían la efectividad de numerosos actos feministas sobre las redes y la tecnología, así como cualquier otra lucha política cuyo objeto es fomentar cambios en la sociedad.

Consideramos esencial reflexionar sobre estos aspectos pues, como decíamos anteriormente, miembros de una sociedad contemporánea en el que se supone el ámbito más representativo de la misma, Internet, no deberíamos contribuir a la paliación de la expresión, tan fundamental para el crecimiento humano.

Por un arte, y en este caso, un ciberfeminismo, sin limitaciones.

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ArtFutura

Desde Enero de 1990, ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital de referencia en España, explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital. Sus actividades incluyen conferencias, talleres, instalaciones interactivas, exposiciones y actuaciones en directo.

Por otra parte, su división GaleríaFutura promueve los aspectos más expositivos de la nueva creatividad digital. Entre sus proyectos está la exposición ” Máquinas Almas” presentada en el Museo Nacional Reina Sofia en el año 2008. A lo largo de estos años ArtFutura ha tratado de mostrar que a comienzos del nuevo milenio, arte y ciencia discurren más que nunca por caminos paralelos. Ya no es posible entender el arte desligado de los nuevos media, internet y la tecnología digital.

A comienzos de éste tercer milenio nos adentramos en un proceso donde arte y ciencia discurren por caminos paralelos.
La Vida Artificial, la Realidad Virtual, las imágenes generadas por ordenador… son sólo la primera entrega de un nuevo universo, capaz tanto de ensanchar como de sobrecoger el espíritu humano.

Una de las exposiciones más interesantes se llama “maquinasyalmas” y su autor es Josh Harris.

Entrando en su web , facebook , twitter o blog podreis descubrir muchísimas más obras impactantes de esta temática.

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Speed Painting, talento “veloz”

El otro día, pensando en cual podría ser mi próxima entrada en este blog, quería escribir algo sobre el arte en Facebook. Es un tema que no carece de audiencia y dispone de muchos ejemplos concretos e interesantes, razones suficientes para atraer a los lectores de este blog. Pero, como pasa en cualquier trabajo creativo, las cosas no salen siempre como las planificamos; y, encontré  este vídeo:

Como podrán darse cuenta, no cambie mucho el tema de esta entrada: Facebook, sigue siendo un “personaje” en mi artículo. Solo que, en este caso, su fundador, es el único elemento en común al arte. Porque el Speed Painting, se encargó de eso.

El Speed Painting (literalmente, en castellano, “pintura veloz”) hace parte de la familia “Arte digital”. Y consiste en un vídeo, donde toda la actividad artística (dibujo o pintura), se reduce en términos de tiempo. En lugar de ver como el pintor tarda unas cuantas horas para acabar su obra, podrás ver lo mismo, acelerado, en unos cuantos minutos. Mientras que la imagen se está realizando en una tableta grafica, cada acción de la pantalla del ordenador es automáticamente capturada y compilada en tiempo real. Luego se va editando (se cortan o se añaden ciertos componentes), en programas de creación y edición de imágenes, como Photoshop o Painter. Al final, una banda sonora hace aun más dinámica esta creación.

Esta producción audiovisual reúne, en gran parte, retratos de gente más o menos conocida. Algunos, bastante famosos. Mona Lisa, Spirderman, or Albert Enstein hacen parte del repertorio de artistas como Martin Missfeldt o Nico di Mattia.

En You Tube, puedes encontrar un montón de vídeos con diferentes temas y personajes, ahí también hay tutoriales, para los que quieren intentar a realizar su propia “pintura veloz”.

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Latinoamérica tiene su propia historia del Net.art

Conocemos la historia del net.art por sus pioneros americanos, rusos, por la denominación del termino, después del mensaje indescifrable, cuyo destinatario era Vuk Cosic. Pero pocos sabemos que hay una historia paralela del net.art, que nace en America Latina. Hacia 1995, en algunas ciudades latinoamericanas se instalan los primeros nodos de acceso a Internet. Los primeros, en Uruguay (el país de origen de Brian Mackern y la netartlatino database) y Chile; ahora junto a Argentina y Brasil, son las mas reconocidos en materia de net(dot)art en el mundo latinoamericano. Cuando Internet hacia sus primeros pasos en America Central y del Sur, los experimentos en la red empezaban en 1996, con netart.org.uy, de Brian Mackern, findelmundo.com.ar o la revista virtual, www.escaner.cl

America Latina, a través la voz de Pablo Peralta, defiende al uruguayo, Brian Mackern, que debería figurar –  según sus connacionales – , en la lista de los siete pioneros del net art. Su merito seria haberse anticipado en el uso de la herramienta Flash y los recursos sonoros.
Esto, añadido a la declaración de Vuk Cosic, quien no se autoproclama artista fundacional (“Alexei escribió esa estúpida historia acerca de mí para divertirse, y ese e-mail todavía sigue siendo la obra de net.art a la que mas referencia se hace.”), podría ponernos a pensar donde realmente fue el lugar principal de emisión de esta practica vanguardista.

NetArt Latino Database

La netart latino database (NALD) tiene una manera original presentar la información. Un mapa invertido, remake de un dibujo del uruguayo Joaquín Torres García (1941) , en ASCII, nos da la bienvenida. Alrededor del campo visual, considerado estéticamente low-tech, observamos los dominios con abreviaciones de cada país hispanoamericano. Un enlace tiene un dominio, una terminación por contenido y, en algunos casos, una terminación territorial ( por ejemplo, www.liminar.com.ar. Aunque, muchas veces, los artistas consagrados del netart guardan dominios estadounidenses, (.org o .com) – www.proyectotrama.org, www.arteuna.com etc.

Mapa invertida. Net.Art Latino Database

Algunos artistas latinoamericanas, escogieron presentar sus contenidos en su lengua   materna. Pero no todos, En los de “.com”, vemos con frecuencia el ingles, pro ejemplo.   Lands Beyond (Brasil). Igual por el francés : Postales / Gabriela Golder. Pocas son   bilinguas, y la mayoría, escojen el ingles. Es también la opinión de Laura Baigorri (2006) :   para los “artistas latinos making global art”, la anglodependencia es una característica de la    red. La base de datos, fue creciendo poco a poco desde el 2000, pero ahora dispone de   bastantes enlaces “ciegos”, que ya no existen. Es el caso de mearte, pero cuya historia  quedo guardada en archive.org.

Visitando la mayoría de estos websites, con trabajo de artistas mexicanos, argentinos, brasileños, etc., he tenido la sensación que el estilo latino transcurre, pero que, en esencia, la técnica sigue la misma lógica (¡claro, si es también netart!). Si quieres convencerte tu solo de la diferencia entre las dos, o hacerte tu propia opinión sobre el estilo hispanoamericano en términos de net.art, aquí encontraras una variedad de obras representativas.

netart.org.uy/latino/

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