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Gorrillaz una “banda virtual”

Gorillaz es un proyecto musical británico creado en 1998 por Damon Albarn de la banda de rock alternativo Blur. Blur es un grupo de britpop formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista; teclista Damon Albarn, el guitarrista ; vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en una de las bandas más grandes del Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.

Después de una pequeña crisis cambiaron su estilo y se convirtieron  en Gorillaz. Son una “banda virtual” que fue creada por Jamie Hewlett, co-creador del comic book Tank Girl en Essex, Inglaterra. Un día mientras miraba MTV, Hewlett tuvo la idea de crear a la banda. En una entrevista comentó: «Si alguien mira MTV durante demasiado tiempo, podrá darse cuenta que es como el infierno,  no hay nada entretenido allí. Así tuve la idea de crear una banda de dibujos animados con Albarn».

Gorillaz está representado por cuatro personajes de dibujos animados: 2D, Murdoc, Noodle y Russel. Son usados para el material promocional, como en las portadas de discos, en carteles y en los conciertos, en los cuales se utilizan hologramas de los personajes.

Su música ha sido considerada como una mezcla de hip hop, electrónica, dub y pop. Gorillaz ha lanzado cuatro álbumes de estudio con las compañías discográficas Parlophone y Virgin: Gorillaz en 2001, Demon Days en 2005, Plastic Beach en 2010 y The Fall en 2010.

El cambio virtual es increible, como pasaron de ser un grupo normal o cumún de música Britpop a ser un grupo con una mezcla de estilos musicales entre el Hip-hop Americano , Indie Pop, Ambient, música latina… convirtiendose en un grupo muy moderno con un cambio notable en su imagen, pasando de ser una banda de “carne y hueso”  a una “banda virtual”.

Así eran y en esto evolucionaron.

   En vivo.

En videoclip.

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ARTE ARTE ARTE

Hoy os mostramos a una gran artista plástica Argentina Marta Minujín. Ha usado siempre la frase “todo es arte”, que sintetiza la concepción de la creadora, convertida en el paradigma de su generación.

Decidida a internarse en las artes plásticas, Marta Minujín comienza a estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes. A pesar de obtener excelentes calificaciones en dibujo, pintura y escultura, Marta no se siente conforme con lo que hace. Está interesada en ser una artista de vanguardia y lo que realiza no le parece acorde a esa tendencia, por lo que decide abandonar sus estudios. Le interesa la obra de Alberto Greco; cree en la necesidad de un arte que logre sobrecoger al espectador, que salte del plano y se instale en la tridimensión, ideas que comparte con Rubén Santantonín y Emilio Renart.

Un día, mientras pintaba un cuadro para el que necesitaba mucha carga matérica, decide pegar sobre la tela una parte del colchón de su cama. En ese momento descubre una veta que le parece original y decide explorarla. Sus primeras obras con colchones se exponen en la Galería Lirolay, donde la descubren los críticos Germaine Derbecq y Jorge Romero Brest.

En 1961 gana una beca y se va a estudiar a Paris. Allí se vincula con artistas del Nouveau Realisme, informalistas y de otras orientaciones, entre quienes se cuentan Niki de Saint-Phalle, Jean Tinguely, Christo, Lourdes Castro y Robert Rauschenberg. Al año siguiente comienza sus estructuras habitables cubiertas de colchones -realizadas con colchones encontrados entre los desechos de los hospitales parisinos- y sus primeras performances. Paralelamente, se adscribe a las teorías de la “muerte del arte”, evitando el mercado y los museos, realizando obras efímeras y destruyendo su obra plástica anterior.

Dentro de este pensamiento se inserta La Destrucción, su primer happening realizado en 1963.

Si pinchais en esta fotogrfía descrubrireis mucho más sobre esta singular maestra del arte.

Una de las características cualificaticas de su obra es el carácter efímero.  Es una expresión plástica de carácter breve y fugaz. Arte para las masas que es de corta duración. Arte fungible que desaparece o se consume delante del espectador; Esta forma de arte se convierte en una manera de incorporar el mito, y la obra, al individuo, pasando de pasivo observador a ser activo participante, consumidor, como elemento conceptual de incorporar no solamente el arte, sino toda su carga simbólica y cultural.

Marta Minujín ha hecho del Arte Efímero una marca registrada que recorre toda su carrera. Por ejemplo:

En 1973 Soft Gallery

Galería Harold Rivkin. Washington D.C. Estados Unidos. 200 colchones atados entre sí con sogas recubren paredes, techo y piso de la galería. Durante el tiempo de la muestra se realizan diferentes eventos organizados conjuntamente por Marta Minujín y Richard Squires.

Y por último de similares características e ideología, Minujín y Warhol compartieron una amistad cuando se conocieron una galería de arte, durante su estancia en Nueva York. Junto a él compartió el ambiente artístico de la época. En 1985 realiza la famosa obra fotográfica en la que paga al artista norteamericano, la deuda externa argentina con choclos, según sus propias palabras “el oro latinoamericano.”

“Llevé todos los choclos, hice una montaña, pusimos dos sillas y nos sacamos diez fotos. Yo agarraba el choclo, él subía, yo se lo ofrecía y él lo aceptaba. Así la deuda externa quedaba paga. Pensando que yo era la reina del pop por estos lados y él, el rey del pop por allá, tenía sentido que saldáramos la deuda. Después regalamos los choclos firmados a la gente. Esa fue la última vez que lo vi. Murió dos años después.”

Marta Minujíncolor
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Videoarte

El Videoarte, es una de las tendencias artísticas que surgieron al hilo de la consolidación de los medios de comunicación de masas, y que pretendían explorar las aplicaciones alternativas y artísticas de dichos medios. Significa narrar y hacer propuestas que incrementen las emociones del espectador y  lo lleven a reflexionar sobre su ser.

Se entiende por Videoarte toda aquella obra en la que total o parcialmente se utiliza de la tecnología vídeo, bien sea en formato electromagnético o digital, y donde la creación audiovisual presenta una intencionalidad claramente artística. Se entendiendo por intención artística toda aquella que añade un contenido experimental extra ( bien sea formal, poético, filosófico, etc.) a la creación audiovisual en sí, mediante la utilización de unos recursos técnicos, narrativos, estéticos, conceptuales, y no meramente comunicativos- informativos. Se podría hablar también de Videocreación o Creación Audiovisual. Al parecer el termino Video arte, se adoptó poco después de su surgimiento en Alemania, a principios de los sesenta. Aunque al principio simplemente se hablaba de video-tapes, poco después se empezó a hablar de video-esculturas,video-performances o de autorretratos videográficos.

De manera que se trata de una manifestación que significa una ruptura con lo convencional o “visualmente correcto”, pues se vale de parámetros espacio-temporales e interactivos completamente distintos. Donde podemos ver las distina técnicas de realización.

– Slow motion o camara lenta es un efecto visual que permite retrasar artificialmente una acción con el fin de aumentar el impacto visual o emocional. La camara lenta se obtiene rodando una escena con un número de imágenes por segundo superior a la velocidad de proyección. Al pasar el registro con un número de imágenes por segundo normal, la escena, más larga, da la impresión de desarrollarse lentamente.

Stop motion, paso de manivela o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.

-La animación 2D es aquella técnica para dar sensación de movimiento a imágenes o dibujos. Para realizar animación existen numerosas técnicas que van más allá de los familiares dibujos animados. Los cuadros se pueden generar dibujando, pintando, o fotografiando los minúsculos cambios hechos repetidamente a un modelo de la realidad o a un modelo.

– Hoy en día la animación 3D, es una de las técnicas más empleadas y con mayor auge en la industria cinematográfica y televisiva. En la animación 3D, los elementos, personajes y escenarios se construyen o modelan en 3 dimensiones o ejes. El ordenador y las diferentes herramientas (software) que se utilizan permiten generar toda clase de formas, aplicar todo tipo de características superficiales, efectos especiales. Permitiendo expresar ideas y conceptos de manera gráfica por medio de imágenes en movimiento.

– Solemos llamar time-lapse a una secuencia de vídeo acelerada, donde los acontecimientos suceden a una velocidad mucho más rápida de la normal.Para obtener películas time-lapse existen diversos métodos: Podemos grabar una secuencia con una vídeo cámara y luego acelerar la película en cualquier programa de edición de vídeo. Otro método es la captación de imágenes a determinados intervalos de tiempo. Vamos disparando una fotografía cada cierto tiempo, y al unir esas imágenes en un programa de edición de vídeo , obtenemos una película con el efecto de imagen acelerada característico del time-lapse.

Tilt shift es una técnica que produce unos efectos surrealistas, haciendo que cualquier cosa en miniatura (mediante la utilización de maquetas) aparenten  tamaños reales o grandes espacios . Así mismo es una manera genial de llamar la atención a un lugar específico dentro de la fotografía.

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ArtFutura

Desde Enero de 1990, ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital de referencia en España, explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital. Sus actividades incluyen conferencias, talleres, instalaciones interactivas, exposiciones y actuaciones en directo.

Por otra parte, su división GaleríaFutura promueve los aspectos más expositivos de la nueva creatividad digital. Entre sus proyectos está la exposición ” Máquinas Almas” presentada en el Museo Nacional Reina Sofia en el año 2008. A lo largo de estos años ArtFutura ha tratado de mostrar que a comienzos del nuevo milenio, arte y ciencia discurren más que nunca por caminos paralelos. Ya no es posible entender el arte desligado de los nuevos media, internet y la tecnología digital.

A comienzos de éste tercer milenio nos adentramos en un proceso donde arte y ciencia discurren por caminos paralelos.
La Vida Artificial, la Realidad Virtual, las imágenes generadas por ordenador… son sólo la primera entrega de un nuevo universo, capaz tanto de ensanchar como de sobrecoger el espíritu humano.

Una de las exposiciones más interesantes se llama “maquinasyalmas” y su autor es Josh Harris.

Entrando en su web , facebook , twitter o blog podreis descubrir muchísimas más obras impactantes de esta temática.

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Speed Painting, talento “veloz”

El otro día, pensando en cual podría ser mi próxima entrada en este blog, quería escribir algo sobre el arte en Facebook. Es un tema que no carece de audiencia y dispone de muchos ejemplos concretos e interesantes, razones suficientes para atraer a los lectores de este blog. Pero, como pasa en cualquier trabajo creativo, las cosas no salen siempre como las planificamos; y, encontré  este vídeo:

Como podrán darse cuenta, no cambie mucho el tema de esta entrada: Facebook, sigue siendo un “personaje” en mi artículo. Solo que, en este caso, su fundador, es el único elemento en común al arte. Porque el Speed Painting, se encargó de eso.

El Speed Painting (literalmente, en castellano, “pintura veloz”) hace parte de la familia “Arte digital”. Y consiste en un vídeo, donde toda la actividad artística (dibujo o pintura), se reduce en términos de tiempo. En lugar de ver como el pintor tarda unas cuantas horas para acabar su obra, podrás ver lo mismo, acelerado, en unos cuantos minutos. Mientras que la imagen se está realizando en una tableta grafica, cada acción de la pantalla del ordenador es automáticamente capturada y compilada en tiempo real. Luego se va editando (se cortan o se añaden ciertos componentes), en programas de creación y edición de imágenes, como Photoshop o Painter. Al final, una banda sonora hace aun más dinámica esta creación.

Esta producción audiovisual reúne, en gran parte, retratos de gente más o menos conocida. Algunos, bastante famosos. Mona Lisa, Spirderman, or Albert Enstein hacen parte del repertorio de artistas como Martin Missfeldt o Nico di Mattia.

En You Tube, puedes encontrar un montón de vídeos con diferentes temas y personajes, ahí también hay tutoriales, para los que quieren intentar a realizar su propia “pintura veloz”.

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Un puñado de arena hace maravillas

Arte en la arena, arte sobre la arena, arte con la arena, llamémoslo como lo llamemos, se trata de la misma forma expresiva, espontanea que aporta ese algo nuevo y diferente en el mundo artístico contemporáneo. Aparentemente, para narrar no necesitamos únicamente utilizar palabras; unas manos mágicas, una mesa iluminada y un puñado de arena son suficientes. El resultado es una animación  – con música de fondo – que despierta la sensibilidad del publico ( por aquellos que entienden y saborean este tipo de arte).

Dibujar en la arena no es una tarea muy fácil, dado que no mucha gente la practica, pero es una actividad que requiere de mucha concentración, talento y dominio. Lo que sorprende es el efecto realista de este tipo de obras. Tenemos la impresión de que una película grabada en directo se lleva a cabo frente a nuestros ojos. Y es allí donde nos damos cuenta que el arte en la arena esta cargado de muchos sentido y naturaleza.

El arte con la arena es algo más que un juego.Lo quiso demostrar, Kseniya Simonova, una joven artista ucraniana, quien mueve sus manos creadoras para ilustrar en unos segundos, escenas acerca de la historia de su país. Su proyecto fue considerado el mejor, en el concurso Ucrania Tiene Talento; la joven asombró la audiencia cuando “pintó” un historial en imágenes sobre la ocupación alemana en su territorio natal durante la Segunda Guerra Mundial. Y aunque eso paso hace mas de dos años (en 2009), vale la pena recordar ese momento. Por la simple razón de que ella junto con la israelí Ilana Yahav, elevaron a rango de arte una técnica que hasta poco, se consideraba una expresión bastante infantil.

La industria de la publicidad, aprovecho esta técnica para atraer la atención del publico. Una de las “responsables” de anuncios publicitarios en arena, es precisamente, Ilana Yahav. En su pagina web, denominada sugestivamente, Sand Fantasy, la creadora  testimonia sobre como llego a apasionarse con esta nuevo forma de expresión artística. A parte, cuenta sus experiencia y como a hecho cada una de ellas “un espectáculo de otro mundo”.

El arte con la arena inspiró también algunos directores de videoclips musicales. Acompañando las letras de la canción, las imágenes dibujadas en arena cuentan una los sentimientos de una mujer mas fuerte, en equilibrio, mas cerca de la naturaleza.

El arte en la arena toca su punto más alto y competitivo en El Festival Internacional de Esculturas en Arena, Sandstation. El concurso cuenta ya 9 ediciones y, el próximo año, tendrá lugar de nuevo en Berlin. Las obras son grandes, algunas, gigantes. Las pueden consultar directamente en el sitio oficial Sandstation.com. Desgraciadamente, no hay museos o exposiciones permanentes de dibujos o las esculturas en la arena. En las playas, el viento y la lluvia mandan sobre las creaciones inéditas, pero con solo inmortalizar la obra en fotos o video-clips, recordamos que la imaginación no tiene limite. Miren, por ejemplo esta foto. El escultor debe de haber puesto toda su inspiración en esta maravilla, creada en arena húmeda.

Escultura en la arena ( Fuente : paginabierta.com)

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El arte interactivo y el espectador como protagonista

El arte se ve inmerso en el tema tecnológico y de innovación. Y cada día las propuestas se vuelcan más hacia lo interactivo, donde el espectador participa y es una pieza clave de la experiencia artística. El arte interactivo no es más que la práctica artística contemporánea en la cual el observador participa directamente con la obra, no como suele ser tradicionalmente que sólo puede ver e interpretar.

Hay esculturas que permiten al observador camine sobre, en, o alrededor de la obra.

Escultura de Jaume Plensa. Podéis saber más sobre él haciendo clic en la fotografía.

El siguiente vídeo es una apuesta en esta dirección, que toma una tecnología en navegadores web llamada WebGL, y renderiza gráficos en 3D. El vídeo de pronto parece pintado a mano y podemos escoger la dirección mediante el mouse. Es decir, interactuación al máximo, cada usuario puede elegir que dirección toma su sueño. Se necesita tener google Chrome para verlo.

Para aquellos que anden cortos de tiempo pueden ver el trailer del videoarte en: http://bit.ly/romeinteractivo

Podríamos poner muchos más ejemplos de diferentes formatos de instalaciones interactivas. Pero vamos a finalizar dichos ejemplos con una compañia catalana de teatro-espectáculo. Ellos son La Fura del Baus cuyos rasgos clave son: interacción con el público, utilización de espacios insólitos y adaptación de la escena a las características de cada espacio.

También tienen su página http://www.lafura.com/web/cast/home.php.
Os invitamos a que averiguéis por vuestras propias carnes lo que se siente al interactuar con cualquier forma de expresión artística.

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