NETARTHUNTER. EL “MAKING OFF” y un después

Ya que somos oficialmente buscadoras de (net) art, os contamos un poco sobre nuestra aventura por la selva del arte, destacando las ideas que nos rondaron la cabeza desde que les aconsejamos el famoso “¡Amárate el cinturón!”.

Desde que iniciamos este blog, nos dimos cuenta que, la frontera simbólica entre el arte y el net-art, no es tan delgada, a pesar de que los dos términos sugieran lo contrario. Cuanto hablamos de arte en la red, nos referimos a un contenido creado fuera de Internet, donde se obtiene visibilidad para galerías, museos, artistas. En cambio, el arte de red, que es sinónimo del net-art funciona solo en Internet, se basa en la interactividad hipertextual y siendo producto de la tecnología informática.

Pero, nuestras entradas tocan tanto cualquier forma de arte tradicional como el arte digital e interactivo, en un intento de armonizar este panorama tan cambiante. Porque, finalmente, cada forma de expresión artística tiene un ancestro: el arte siempre ha “revolucionado” una manifestación pasada, debido a las influencias sociales y políticos existentes. Por ejemplo, sin el arte de vanguardias y sus manifestaciones alejadas del arte clásico y tradicional, o sin el videoarte, el net-art no existiría.

Opinamos que se debe prestar la misma atención a cualquier tipo de manifestación artística, sin importar el soporte, la durabilidad, el grado de interactividad. Aunque no sea menos cierto que hemos intentado acercar nuestras búsquedas a la manifestación del arte en la contemporaneidad, sabiendo que lo novedoso tiene su encanto.

Seguramente, cada etapa tiene sus valores, sus combatientes y sus admiradores. Por eso, no dejaremos de buscar formas de expresión atractivas. Esperamos también sus proposiciones; no quedaran fuera de nuestra agenda del blog para el futuro.

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LANDART, el espectáculo de la naturaleza

Por primera vez en este blog haremos un post sobre un tema que se nos ocurrió a nosotras, sino a uno de nuestros visitantes. Tonic1985, escribía hace más de dos semanas:

tonic1985  dice:  noviembre 11, 2011 en 5:58 pm

Hola, os escribo para recomendaros una forma artística que no se conoce habitualmente y es impresionante: el Landart. Esta corriente artística tendría mucho que ver con la interacción con el espectador en la naturaleza y, en ocasiones, es muy efímero, como el emplazamiento de esculturas de hielo al aire libre.

Su propuesta nos llamó la atención. Y el tema, también: LANDART. Por lo tanto vamos a desvelar lo que se esconde detrás de este nuevo concepto artístico.

El landart, traducido en español como «arte terrestre» o genéricamente, «arte de la construcción del paisaje», es una nueva manifestación artística, que nació en los anos  ’60, en America. Al igual que otras tendencias del arte (como el happening, por ejemplo), nació como un manifiestó; el landart era considerado como una riposta creativa contra la comercialización del objeto artístico tradicional (escultura o cuadro).

Esta manifestación contemporánea consiste en la creación de una obra a partir de materiales que se encuentran en la naturaleza (tierra, piedras, hojas, arena, rocas, madera, fuego, agua, piñas, ramas, conchas etc.). Lo bello de este arte es que se puede realizar donde quieras. Cualquier lugar en el cual encuentres materiales naturales, es un lugar adecuado para hacer una obra. Si estas en la playa encontraras agua, piedras, conchas y arena, si estas en el parque encontraras piedras, hojas, y rocas, tierra. Hasta en tu propio jardin improvisaras algo para crear un trabajo interesante. Las obras mas espectaculares se encuentran en lugares menos exploradas por la gente, como el desierto o cimas de montañas. No hacen falta muchos materiales, una visión estética y encontrar el medio ambiente adecuado son más que suficientes. Este video es solo un ejemplo de lo que se puede hacer con algunas hojas y aprovechando la luz solar.

El objetivo principal del landart es utilizar líneas, formas y colores creados con elementos del paisaje para transmitir sensaciones a sus espectadores. Se necesita un sentido artístico bastante agudo, para producir unos efectos impactantes en la percepción de los demás. Pero, eso no significa que es un tipo de arte limitado a los especialistas, todo el mundo tiene a su disposición la manera y los componentes necesarios para modificar la naturaleza, en sentido artístico.

Entonces, podemos decir que el landart es más que una manifestación en la naturaleza, se dedica a producir emociones, a comunicar ideas, pensamientos. Para los más sensibles, esto puede llegar a ser un dialogo con el medio natural. Es más, es recomendable que “el arquitecto” conozca muy bien el lugar en donde va a operar, que conozca su ritmo, su equilibrio, hasta armonizar su trabajo con el medio ambiente.

La obra resultada está sometida a los caprichos del tiempo. Una lluvia, una caída de nieve, el sol ardiente pueden convertir en unos minutos la construcción artística en…Nada. Es un tipo de arte efímero, al igual que el happening, la performance o el arte conceptual. Lo único que la salva es la inmortalización fotográfica. De esta manera, le toca al observador imaginarse cómo fue creada la obra. Aunque algunas resisten la prueba del tiempo. El ejemplo exponencial es Spiral Jetty, la obra más importante del escultor estadounidense Robert Smithson. Se trata de una escultura earthwork, construida en 1970, y fotografiada en abril de 2005. Para esta obra, se hizo un gran movimiento de tierra usando un equipamiento especial, como excavadoras o camiones oruga.

Tratándose de una manifestación tan creativa, dos artistas – Julia Brooklyn and Richard Shilling – , crearon un proyecto especial para los niños. Se le permite los más pequeños utilizar su imaginación para explorar la naturaleza y se les educa para respetar el medio ambiente. Su link : landartforkids.com

El arte de la construcción del paisaje es importante y crea competiciones. La prueba es Land Art Generator Initiative, un proyecto que invita a todos los amantes de este tipo de arte a participar en una competición inédita. Tendrá lugar en el parque Freshkills, en Staten Island (Nueva York, EE.UU), durante las primeros seis meses del 2012. El creador más apreciado por el jurado se llevara 20.000 dólares. En el website de la organización, encontraras la información detallada: ladartgenerator.org.

Las obras magnificas del landart/ earthart nos impresionaron, el trabajo requiere de mucho tiempo y  concentración. Mirad, lo que encontramos visitando webecoist.momtastic.com:

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Crezcan las magnolias

¿Por qué nos dedicamos con tanta energía a nuestro arte?

No para enseñar a los demás, si no para aprender con ellos lo que nuestra existencia, nuestro organismo, nuestra experiencia personal y única tiene que ofrecernos; para aprender a derribar las barreras que nos rodean y para liberarnos de lo que nos ata, para desterrar las mentiras que nos construimos diariamente para nuestro consumo y para el de los demás; para destruir las limitaciones causadas por nuestra ignorancia y falta de valor; en suma, para llenar el vacío dentro de nosotros, para realizarnos. El arte no es un estado anímico (en el sentido de ciertos momentos de inspiración extraordinaria, imprevisible), tampoco un estado humano (en el sentido de una profesión o una función social). El arte es una evolución, un estado de madurez, una elevación que nos permite emerger de la oscuridad a la luz.

Jerzy Grotowski

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Heartbeat, adictos a los latidos

Puesto que la literatura es el arte de la palabra, ¿podría considerarse una hiperficción una rama del inmenso sauce que es el net-art? Démosle una oportunidad.

La hiperficción que nos va a servir de conejillo de indias será Heartbeat: construcción de una ficción.

http://www.doragarcia.net/heartbeat/index.html

Heartbeat (1999) es una obra hipertextual de la española Dora García, que suele centrarse en la creación de situaciones o contextos que alteran la relación tradicional entre artista, obra y espectador; es decir, trabaja con proyectos que implican a la colectividad. Distintos grupos de personas han sido los destinatarios directos y participantes de sus obras, en las que mezcla contenidos narrativos con aproximaciones a la cotidianidad. Situaciones concretas se convierten en mundos particulares, en metáforas de posibilidades. Además, también utiliza el espacio expositivo como plataforma para llevar a cabo una investigación sobre la relación entre espectador, obra y lugar, a menudo utilizando la performance y la interactividad con este fin. A través de cambios mínimos, sin invadir el espacio, convierte la sala en una experiencia sensorial, de la que cada visitante sale con sus percepciones alteradas, o como mínimo con cierto grado de escepticismo. La ficción y la fantasía, así como la crueldad de la realidad, van hilando los trabajos en proceso de Dora García.

http://www.doragarcia.net/

En este caso, su obra nos induce a reflexionar sobre los niveles automáticos de percepción de nuestro cuerpo, como los generados por el sueño o la respiración. Así, descubrimos las características de una nueva tendencia, aquella centrada en la percepción alterada de lo real por parte de los Heartbeaters, “latedores” que guían su vida a través del latido de sus corazones.

Una muestra de las características de estos individuos, quizá nuevos fugitivos de la superficial y global realidad de nuestro tiempo, se halla en el propio texto:

“Una de las alucinaciones más habituales entre ellos es la separación absoluta de la mente y el cuerpo. Perciben su cuerpo como extraño, demasiado grande o demasiado pequeño para ajustarse a sus cabezas. En cierto sentido, han conseguido la sabiduría perfecta, superado el miedo más antiguo, el miedo a la muerte: escuchan sus propios latidos como si, de detenerse el corazón, pudieran finalmente dejar de escucharlo y empezar a hacer otra cosa, liberados del cansado oficio de vivir.”

No obstante, no es la obra en sí lo único que nos atrae en esta ocasión. Es más bien la trascendencia que de ella deriva. Ismael se nos presenta como el fundador de una comunidad de estos adictos a la soledad del propio ser (http://www.heartbeaters.net/), sugiriendo a sus lectores que participen en su adorada experiencia del modo siguiente:

“Registre simplemente los latidos de su corazón, agréguelos a su reproductor de compact-disc o iPod, y camine por ahí con ese sonido en la cabeza. No se lo creerá… es magnífico. Y entonces regrese a esta comunidad y únase a otros como yo y como usted. Solo cuando la Humanidad logró imaginar la posibilidad de viajar por el espacio, solo entonces visitaron los Marcianos nuestro planeta. Solo cuando podamos creer en la belleza de escuchar un solo sonido (el fenómeno de retroalimentación aural más básico que existe), solo entonces se mostrarán esos primeros heartbeaters. Quizá estén aquí ya.”

Lo interesante del asunto es que la imaginación de una sola persona ha logrado conmover y provocar a otros tantos que necesitaban de su creatividad para encontrarse. De ese modo, aunque al parecer la comunidad se encuentra inactiva desde 2005, a día de hoy se localizan grupos en Twitter, Facebook o MySpace, y se realizan incluso conciertos promoviendo el encuentro de vibrantes corazones.

Más allá de nuestra opinión acerca de tal comunidad, consideramos el trabajo de Dora García como un posible ejemplo de la validez de la red como medio de expresión. El arte también se manifiesta aquí y puede ser tan intenso y reflexivo, o simplemente provocador y sensorial, como cualquier obra tradicional.

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El arte es tramposo. Pinturas 3D en la calle

Nunca hemos contemplado en vivo las obras de las que pensamos contarles en este post, pero debemos reconocer que estas pinturas 3D en la calle son puro arte en aire libre, donde cualquier gota de lluvia amenaza la creación y a su creador. Pero, ¡qué suerte que hay fotos cuyo rol es inmortalizar las imágenes artísticas!

Estos dibujos, pintados con tizas, engañan el ojo, desde la primera vista. ¡Observemos una de las pinturas callejeras de Eduardo Relero, un artista argentino que reside en España! ¡Observemos su visión, su perspectiva!

Vida interior de Anton Martin. Autor: Eduardo Relero

Utiliza la técnica anamórfica, una clase de arte, originaria de China, en la antigüedad. En Europa, se dio a conocer en el siglo XVI, durante la conocida época del Renacimiento. Es un concepto que crea en el espectador la ilusión de espacios, mediante la técnica de la perspectiva y otros efectos ópticos. El dibujo incluye un círculo en el que se debe emplazar un cilindro (o un cono) metálico en cuya superficie aparece reflejado – distorsionado – el dibujo que le rodea. Para poder apreciar estas pinturas, hay que mirar del ángulo adecuado. Si las miramos de frente, parecen extrañas y absurdas. Por eso, el artista los retiene hasta sacar la foto. Artistas como el famoso Julian Beever o el aleman Kurt Wenner han demostrado manejar muy bien esta técnica.

Pueden que a algunos, este tipo de arte no les guste nada de nada, pero, para otros esta manifestación en la vía pública es indiscutiblemente, G-E-N-I-A-L. Seguramente, muchos de vosotros habéis ya recibido por mail una muestra o habéis visto en Internet pinturas de este tipo. Aun así, queremos compartir este video, que reúne los más espectaculares dibujos 3D en el pavimento.

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Asombradas con las sombras chinas

El sábado pasado, leíamos en la prensa española que Unesco elevaba las sombras chinas a patrimonio de la humanidad. Nuestro NetArtHunter, empedernido a cualquier forma de expresión artística, no podía pasar de vista (o, de entrada), este tema. Así que, decidimos enfocar nuestra atención en las denominadas ‘Sombras chinescas’. De los que nos enteramos, serréis testigos vosotros mismos, nuestros queridos lectores.

Mover las manos entre una fuente de luz y una pantalla o pared, con el objetivo de proyectar sombras que representan distintos seres en movimiento. Es así como definiríamos este tipo de arte. De hecho, todo empezó como un juego popular hace unos dos mil años. Se llaman ‘chinescas’ pero no es China su país madre, sino Indonesia, la Isla de Jawa, para ser más precisas. Solo que, mucho antes de que fuera inventada la película cinematográfica, se veía el teatro de sombras chinescas en el ámbito rural de China.

La cultura china integra las sombras, como arte teatral

Se preguntarán por qué este arte se fue popularizando, poco a poco, en todo el mundo. Porque la fuerza teatral y literaria, donde se integran artes plásticas, música y la acrobacia, fue ganándose el aprecio del público. La imaginación de los artistas de sombres chinas va mas allá de proyectar distintos personajes; los ubica en escenarios adecuados a la trama, como quioscos, montañas, piedras, árboles, carros, sillas etc. El modelado supone también exagerar los rasgos faciales de los personajes. Por ejemplo, para representar personajes malvados, se exagera los ojos, y se acentúa las cejas. Para los payasos, se exagera la boca y dientes, y se pinta un círculo blanco para mostrar el humor del personaje.

Por lo que vimos, nos dimos cuenta que este tipo de arte es especial, una forma de entretenimiento cultural, que te hace vivir – como cualquier obra -, alegrías y tristezas. Esta manifestación artística no tiene edad, en cuanto a sus espectadores. Niños o adultos, todos parecen aprovecharla al máximo.

Gracias a la nueva tecnología acústica, electrónica y óptica, el arte de sombras chinescas de China se desarrolla más rápido. Os dejamos unos ejemplos, desde los más sencillos, hasta los más complejos. ¡No se fíen, no es tan simple como pueda aparentar! Pero, podrían intentarlo en sus casas. Tal vez, descubren un talento con histórico oriental, bien escondido….

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Vida

Éste es tan sólo un regalo que queremos haceros.

Danza Contact Improvisación

Centro frágil e inquieto que las formas no alcanzan.

Artaud.

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Happening

Una vertiente más, como el Net-Art, efímera.

Agradecemos que hace unos días, recibimos unos comentarios acerca del concepto de arte y la posibilidad de que este se manifestara en el tiempo real del artista, cuestionándose si era necesario el paso del tiempo para su cristalización y valoración. Habiendo respondido ya a esa pregunta, comprendemos necesario hablar de otras vertientes, que ejemplifican algunos de los rasgos indiscutibles del arte; su posibilidad de perdurar en el tiempo (pasado, presente y futuro), o por el contrario, de ser efímero. El arte siempre nos hace pensar, ese es el fundamento de la cultura y la definición del ser humano. Pensemos pues, pero dejándonos llevar, despertando nuevas posibilidades, eliminando las barreras  y permitiendo el flujo natural.

Excerpt from Variations V, performed by the Merce Cunningham Dance Company, with choreography by Merce Cunningham, film direction by Stan VanDerBeek, and music by John Cage.

Según César Oliva y Francisco Torres Monreal, memorable y de gran significación fue la velada de John Cage, en verano de 1952, en el comedor del Black Mountain College, de Carolina del Norte. En ella, David Tudor interpretó la pieza Silencio 4’ 33’’. Con traje de etiqueta, el pianista, sentado ante su instrumento, se limitó a cerrar y abrir la tapa del piano para marcar los movimientos de la composición, sin tocar una sola nota. La música estaba formada por la respiración y las reacciones de los oyentes, los ruidos de la sala, y de los coches que pasaban por la calle, la lluvia en el tejado, el viento de los árboles. Otros números de la velada: actores, entre el público, colocado en el centro del comedor, recitaron otros textos; sobre el techo aparecieron proyecciones (el cocinero, el solo); Merce Cunningham improvisó una danza en torno al público; un perro lo siguió…

Al igual que algunas influencias recibidas por el Net-Art, si examinamos por separado cada una de las partes de estrambótica velada, así como su ensamblaje, advertimos que todo esto nos recuerda las síntesis futuristas, imitadas luego por los dadaístas. No obstante, el experimento tenía más bien carácter de invención en un tiempo en el que, consolidadas ya las vanguardias plásticas (como el body-art), confirmada la evolución de la nueva música y cuestionado tanto el texto como la conformación del teatro en su estructura espectacular, en su espacio de juego, en su relación con el público, todo tiene un carácter de gran seriedad y respeto.

Es cierto que se empezaba a tener conciencia del colectivo teatral, por tanto, había que tener en cuenta al destinatario del acto teatral. Hasta entonces, el espectador había sido mero receptor; nunca partícipe.

Sin embargo, integrar al público en el espectáculo era tarea compleja. Los primeros logros parten del happening americano, en el que, para que el espectador entrase en la obra, el emisor no debía presentarla como un todo acabado. Se pensó entonces, que lo importante no era el resultado, si no su proceso. El happening derivaba del action-painting o pintura en acción.

La alusión a Pollock es inevitable, que trabajaba con el ingenio y la espontaneidad del artista, con la posibilidad de poner siempre algo nuevo; un rasgo, en otro contexto, heredado por nuestros artistas de la red. Pero lo más importante era que, como esta pintura se presentaba abierta, ello incitaba al espectador a continuarla, lo que suponía el modo más perfecto de participación.

Teniendo como quizás, el referente de la primera obra de happening en el pintor Allan Kaprow, el happening supuso un esfuerzo confiado en poner al servicio de todos los hombres los recursos de la tecnología, haciéndolos conscientes por medio del arte –cine, danza, poesía, teatro, música-, de las riquezas cambiantes y múltiples de la existencia.

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Primer museo 3D en la red…by Valentino

Todas las revistas de moda en papel y online, los periódicos del mundo entero nos informan que se acerca la inauguración del museo virtual del conocido diseñador italiano Valentino Garavani. El creador de piezas exquisitas dignas de mujeres como Jackie O’ y Elizabeth Taylor, la programó dentro de 15 días (5 de diciembre). En avance, enteraos que habrán vestidos llevados por antiguas y actuales estrellas de Hollywood como Julia Roberts y  Sophia Loren.

Los amantes de la moda y del buen gusto tienen que estar preparados para ver más de 300 vestidos clave, fotografiados en 3D. Un primer clic y las fotos giraran para mostrar cada línea y punto de la obra. Un segundo clic y saldrá la historia del vestido, que personalidad artística lo llevó, dónde y cuándo. La aplicación descargable en cualquier ordenador será dominada por dos colores muy femeninos : rojo y blanco.

El creador Valentino, entre sus maniquíes

En lugar de llamarse museo de arte – ¡que ya hay muchos en el mundo! – este será un museo de moda, en el que admiraremos galerías, salas y alas. Museos tipo “fashion”, ya se habían estrenado bajo marcas como Armani, Max Mara and Dior o Gucci. Una galería de moda online no es tan común, aunque hay un ejemplo : hace dos años, el creador italiano Salvatore Ferragamo estrenó su propio museo online, mostrando viejos archivos de su trabajo e imágenes de sus diseños.

Con esta nueva experiencia, intitulada “ Recuerdo Futuro”, el gran maestro de la Alta Costura quiso, entre otras, inspirar más de cerca los miles de estudiantes y jóvenes diseñadores.

Un resumen de lo que verán esta en YouTube:

Si no os queréis perder nada de este evento, la pagina Valentino-Garavani-archives.org está disponible para más noticias.

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Gorrillaz una “banda virtual”

Gorillaz es un proyecto musical británico creado en 1998 por Damon Albarn de la banda de rock alternativo Blur. Blur es un grupo de britpop formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista; teclista Damon Albarn, el guitarrista ; vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en una de las bandas más grandes del Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.

Después de una pequeña crisis cambiaron su estilo y se convirtieron  en Gorillaz. Son una “banda virtual” que fue creada por Jamie Hewlett, co-creador del comic book Tank Girl en Essex, Inglaterra. Un día mientras miraba MTV, Hewlett tuvo la idea de crear a la banda. En una entrevista comentó: «Si alguien mira MTV durante demasiado tiempo, podrá darse cuenta que es como el infierno,  no hay nada entretenido allí. Así tuve la idea de crear una banda de dibujos animados con Albarn».

Gorillaz está representado por cuatro personajes de dibujos animados: 2D, Murdoc, Noodle y Russel. Son usados para el material promocional, como en las portadas de discos, en carteles y en los conciertos, en los cuales se utilizan hologramas de los personajes.

Su música ha sido considerada como una mezcla de hip hop, electrónica, dub y pop. Gorillaz ha lanzado cuatro álbumes de estudio con las compañías discográficas Parlophone y Virgin: Gorillaz en 2001, Demon Days en 2005, Plastic Beach en 2010 y The Fall en 2010.

El cambio virtual es increible, como pasaron de ser un grupo normal o cumún de música Britpop a ser un grupo con una mezcla de estilos musicales entre el Hip-hop Americano , Indie Pop, Ambient, música latina… convirtiendose en un grupo muy moderno con un cambio notable en su imagen, pasando de ser una banda de “carne y hueso”  a una “banda virtual”.

Así eran y en esto evolucionaron.

   En vivo.

En videoclip.

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ARTE ARTE ARTE

Hoy os mostramos a una gran artista plástica Argentina Marta Minujín. Ha usado siempre la frase “todo es arte”, que sintetiza la concepción de la creadora, convertida en el paradigma de su generación.

Decidida a internarse en las artes plásticas, Marta Minujín comienza a estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes. A pesar de obtener excelentes calificaciones en dibujo, pintura y escultura, Marta no se siente conforme con lo que hace. Está interesada en ser una artista de vanguardia y lo que realiza no le parece acorde a esa tendencia, por lo que decide abandonar sus estudios. Le interesa la obra de Alberto Greco; cree en la necesidad de un arte que logre sobrecoger al espectador, que salte del plano y se instale en la tridimensión, ideas que comparte con Rubén Santantonín y Emilio Renart.

Un día, mientras pintaba un cuadro para el que necesitaba mucha carga matérica, decide pegar sobre la tela una parte del colchón de su cama. En ese momento descubre una veta que le parece original y decide explorarla. Sus primeras obras con colchones se exponen en la Galería Lirolay, donde la descubren los críticos Germaine Derbecq y Jorge Romero Brest.

En 1961 gana una beca y se va a estudiar a Paris. Allí se vincula con artistas del Nouveau Realisme, informalistas y de otras orientaciones, entre quienes se cuentan Niki de Saint-Phalle, Jean Tinguely, Christo, Lourdes Castro y Robert Rauschenberg. Al año siguiente comienza sus estructuras habitables cubiertas de colchones -realizadas con colchones encontrados entre los desechos de los hospitales parisinos- y sus primeras performances. Paralelamente, se adscribe a las teorías de la “muerte del arte”, evitando el mercado y los museos, realizando obras efímeras y destruyendo su obra plástica anterior.

Dentro de este pensamiento se inserta La Destrucción, su primer happening realizado en 1963.

Si pinchais en esta fotogrfía descrubrireis mucho más sobre esta singular maestra del arte.

Una de las características cualificaticas de su obra es el carácter efímero.  Es una expresión plástica de carácter breve y fugaz. Arte para las masas que es de corta duración. Arte fungible que desaparece o se consume delante del espectador; Esta forma de arte se convierte en una manera de incorporar el mito, y la obra, al individuo, pasando de pasivo observador a ser activo participante, consumidor, como elemento conceptual de incorporar no solamente el arte, sino toda su carga simbólica y cultural.

Marta Minujín ha hecho del Arte Efímero una marca registrada que recorre toda su carrera. Por ejemplo:

En 1973 Soft Gallery

Galería Harold Rivkin. Washington D.C. Estados Unidos. 200 colchones atados entre sí con sogas recubren paredes, techo y piso de la galería. Durante el tiempo de la muestra se realizan diferentes eventos organizados conjuntamente por Marta Minujín y Richard Squires.

Y por último de similares características e ideología, Minujín y Warhol compartieron una amistad cuando se conocieron una galería de arte, durante su estancia en Nueva York. Junto a él compartió el ambiente artístico de la época. En 1985 realiza la famosa obra fotográfica en la que paga al artista norteamericano, la deuda externa argentina con choclos, según sus propias palabras “el oro latinoamericano.”

“Llevé todos los choclos, hice una montaña, pusimos dos sillas y nos sacamos diez fotos. Yo agarraba el choclo, él subía, yo se lo ofrecía y él lo aceptaba. Así la deuda externa quedaba paga. Pensando que yo era la reina del pop por estos lados y él, el rey del pop por allá, tenía sentido que saldáramos la deuda. Después regalamos los choclos firmados a la gente. Esa fue la última vez que lo vi. Murió dos años después.”

Marta Minujíncolor
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Aleph, mini-enciclopedia del net-art

El net-art es un concepto relativamente nuevo. El termino nació en 1995, cuando el artista sloveno Vuk Ćosić recibió un mensaje anónimo, donde las únicas letras descifrables formaban la palabra Net.Art. Relacionado con el arte de las vanguardias, por sus características (cuestionamiento del papel del autor, la originalidad de la obra, su comercialización, trabajo colectivo etc.), este fenómeno ha evaluado desde unas representaciones ilegibles, low-budget, a unas verdaderas obras de la red, que aportan económicamente, también.
 

Net.Art. Origen del termino

 

 La revolución digital, todo lo que lo que precede y rodea la época del net-art, las aportaciones de los artistas, junto con numerosas críticas especializadas se encuentran en un nodo de información muy importante (quizás, el más importante en castellano relacionado con este tema): Aleph-arts.org. Según mis propias investigaciones, parece ser el pilón de varias tesis, o las obras del net-art escritas a lo largo del tiempo.

 Durante 5 años, (1997-2002), Aleph ha producido sus obras y artículos para que el publico pueda familiarizase más con este concepto, para entenderlo y tal vez, formar parte de el. Su creador, José Luis Brea, profesor de la Universidad de Cuenca intentó hacer un proyecto amplio, tratando de averiguar cuales son las transformaciones que la red posibilita en las prácticas artísticas contemporáneas. A la vez, en esta pequeña enciclopedia del net art, los autores desarrollaron un sistema de aproximación crítica a las posibilidades de la red a través una recopilación de textos.

Aleph. Sección Pensamiento

El website tiene 4 secciones. La primera, denominada, “net-art” contiene una selección de obras presentadas o producidas por este propio medio. Entre ellas destacamos la de I/O/D 4: ‘The Web Stalker’, los proyectos de la famosa autor de hiperficcion, Dora García, etc. En la sección Eshows, se albergaron algunas exposiciones internacionales claves para entender el desarrollo del net.art; entre ellas destacamos el “Digital Studies”(Estudios Digitales), organizada por Alt X y Rhizome a finales de 1997, otro de “Beyond Interface” 24 (Más allá del interfaz). Otra parte se llama “pensamiento”; en ella encontramos traducciones en castellano de algunos de los textos representativos para el net-art, así como otros textos de carácter que subrayan las conexiones críticas y políticas, prestando atención al estudio de las nuevas formas de comunicación y activismo que se asocian a él. La ultima sección es la lista de correo, Eco.con unos mil suscritos, que se convirtió en un importante instrumento de comunicación, dedicada a tratar temas de arte y cultura contemporáneas.

Aleph ha organizado también la sección de net-art dentro de Arco electrónico, en diferentes ediciones. En 1998, presentaron bajo el título “Lo Mejor de los 2 Mundos” , una selección internacional de webs implicadas en el net-art, y en el 1999 presentaron “La Era Postmedia”, un intento de redefinir el espacio contemporáneo del público.

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Videoarte

El Videoarte, es una de las tendencias artísticas que surgieron al hilo de la consolidación de los medios de comunicación de masas, y que pretendían explorar las aplicaciones alternativas y artísticas de dichos medios. Significa narrar y hacer propuestas que incrementen las emociones del espectador y  lo lleven a reflexionar sobre su ser.

Se entiende por Videoarte toda aquella obra en la que total o parcialmente se utiliza de la tecnología vídeo, bien sea en formato electromagnético o digital, y donde la creación audiovisual presenta una intencionalidad claramente artística. Se entendiendo por intención artística toda aquella que añade un contenido experimental extra ( bien sea formal, poético, filosófico, etc.) a la creación audiovisual en sí, mediante la utilización de unos recursos técnicos, narrativos, estéticos, conceptuales, y no meramente comunicativos- informativos. Se podría hablar también de Videocreación o Creación Audiovisual. Al parecer el termino Video arte, se adoptó poco después de su surgimiento en Alemania, a principios de los sesenta. Aunque al principio simplemente se hablaba de video-tapes, poco después se empezó a hablar de video-esculturas,video-performances o de autorretratos videográficos.

De manera que se trata de una manifestación que significa una ruptura con lo convencional o “visualmente correcto”, pues se vale de parámetros espacio-temporales e interactivos completamente distintos. Donde podemos ver las distina técnicas de realización.

– Slow motion o camara lenta es un efecto visual que permite retrasar artificialmente una acción con el fin de aumentar el impacto visual o emocional. La camara lenta se obtiene rodando una escena con un número de imágenes por segundo superior a la velocidad de proyección. Al pasar el registro con un número de imágenes por segundo normal, la escena, más larga, da la impresión de desarrollarse lentamente.

Stop motion, paso de manivela o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.

-La animación 2D es aquella técnica para dar sensación de movimiento a imágenes o dibujos. Para realizar animación existen numerosas técnicas que van más allá de los familiares dibujos animados. Los cuadros se pueden generar dibujando, pintando, o fotografiando los minúsculos cambios hechos repetidamente a un modelo de la realidad o a un modelo.

– Hoy en día la animación 3D, es una de las técnicas más empleadas y con mayor auge en la industria cinematográfica y televisiva. En la animación 3D, los elementos, personajes y escenarios se construyen o modelan en 3 dimensiones o ejes. El ordenador y las diferentes herramientas (software) que se utilizan permiten generar toda clase de formas, aplicar todo tipo de características superficiales, efectos especiales. Permitiendo expresar ideas y conceptos de manera gráfica por medio de imágenes en movimiento.

– Solemos llamar time-lapse a una secuencia de vídeo acelerada, donde los acontecimientos suceden a una velocidad mucho más rápida de la normal.Para obtener películas time-lapse existen diversos métodos: Podemos grabar una secuencia con una vídeo cámara y luego acelerar la película en cualquier programa de edición de vídeo. Otro método es la captación de imágenes a determinados intervalos de tiempo. Vamos disparando una fotografía cada cierto tiempo, y al unir esas imágenes en un programa de edición de vídeo , obtenemos una película con el efecto de imagen acelerada característico del time-lapse.

Tilt shift es una técnica que produce unos efectos surrealistas, haciendo que cualquier cosa en miniatura (mediante la utilización de maquetas) aparenten  tamaños reales o grandes espacios . Así mismo es una manera genial de llamar la atención a un lugar específico dentro de la fotografía.

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Net-Art y Ciberfeminismo

Botticelli

Esta vez nuestra entrada quiere sumergiros en unas reflexiones que hemos encontrado acerca de los lazos entre la mujer ciberfeminista y el Net-Art, resultado de un estudio de Remedios Zafra (escritora e investigadora especializada en ciberfeminismo); unos pensamientos que como mujeres y hombres contemporáneos debemos conocer.

Del mismo modo que la unión entre mujer artista y mujer feminista ha sido notable en las últimas décadas también lo ha sido el interés de las artistas feministas por Internet y los medios de comunicación, pues ellos son ventanas que se abren para permitirles gritar al viento aquello que ha sido silenciado durante siglos.

Quizá el punto más sugestivo de la vinculación del trabajo creativo a la lucha política ciberfeminista venga del lado de la nueva responsabilidad de la creatividad en la época contemporánea en relación a la construcción de identidad. Una nueva responsabilidad que nos hablaría de producción inmaterial, de la producción de deseo, de significado, de la producción de afectos y emotividad.

Lo cierto es que el arte de la mujer a través de las tecnologías desempeña un papel conocido dentro de nuestra cultura actual. Las mujeres artistas han sido precursoras en la producción artística con nuevas tecnologías. En ellas han visto una menor carga simbólica que en las prácticas y técnicas tradicionales.Mercedes Rodríguez

En los primeros años del Net-Art, también al principio del ciberfeminismo, el estímulo consistía en aprovechar el carácter novedoso del medio, recorrer el desierto con todo lo política y socialmente conmovedor de los espacios por hacer, de los dispositivos por dar forma política y social. Encontramos pues numerosas coincidencias al respecto.

Uno de estos elementos comunes podría ser el gran interés con que los net-artistas y las ciberfeministas se enfrentan al medio y a la estructura horizontal de la red. Internet como espacio político y como estructura desjerarquizada ha sugerido a muchos la idea de una colectividad utópica, constituida como esfera pública compuesta por todos los seres humanos, todos conectados a una gran red, la gran aldea global. Sin embargo, si la estructura horizontal del medio inducía a imaginar ideales estados de convivencia como ése (libre circulación de la información y desarrollo de una democracia efectiva), graves dificultades se filtraban sobre las luchas políticas a este respecto.

Ocultos tras una estructura desjerarquizada se idean nuevas y perspicaces estrategias de jerarquización y se dedican grandes esfuerzos a rehacer la historia, a mantener las mismas formas de poder en lo social y también en lo artístico.

Igualmente, la resistencia a la inscripción desde el Net-Art tendría mucho que ver con el ciberfeminismo, sobre todo en sus pretensiones políticas. Si del Net-Art podemos mencionar su relación con las instituciones y el mercado, del ciberfeminismo podríamos hacer referencia a la desilusión por apenas poder introducir sus debates en foros no específicos, más allá de los grupos feministas y artísticos.

Juanita MarkezEn ambos casos se trataría de que su infiltración en los estamentos de legitimación pública no haya logrado modificar a estos estamentos y, en muchos casos, ni siquiera hayan logrado entrar.

Estos obstáculos condicionarían la efectividad de numerosos actos feministas sobre las redes y la tecnología, así como cualquier otra lucha política cuyo objeto es fomentar cambios en la sociedad.

Consideramos esencial reflexionar sobre estos aspectos pues, como decíamos anteriormente, miembros de una sociedad contemporánea en el que se supone el ámbito más representativo de la misma, Internet, no deberíamos contribuir a la paliación de la expresión, tan fundamental para el crecimiento humano.

Por un arte, y en este caso, un ciberfeminismo, sin limitaciones.

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ArtFutura

Desde Enero de 1990, ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital de referencia en España, explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital. Sus actividades incluyen conferencias, talleres, instalaciones interactivas, exposiciones y actuaciones en directo.

Por otra parte, su división GaleríaFutura promueve los aspectos más expositivos de la nueva creatividad digital. Entre sus proyectos está la exposición ” Máquinas Almas” presentada en el Museo Nacional Reina Sofia en el año 2008. A lo largo de estos años ArtFutura ha tratado de mostrar que a comienzos del nuevo milenio, arte y ciencia discurren más que nunca por caminos paralelos. Ya no es posible entender el arte desligado de los nuevos media, internet y la tecnología digital.

A comienzos de éste tercer milenio nos adentramos en un proceso donde arte y ciencia discurren por caminos paralelos.
La Vida Artificial, la Realidad Virtual, las imágenes generadas por ordenador… son sólo la primera entrega de un nuevo universo, capaz tanto de ensanchar como de sobrecoger el espíritu humano.

Una de las exposiciones más interesantes se llama “maquinasyalmas” y su autor es Josh Harris.

Entrando en su web , facebook , twitter o blog podreis descubrir muchísimas más obras impactantes de esta temática.

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Speed Painting, talento “veloz”

El otro día, pensando en cual podría ser mi próxima entrada en este blog, quería escribir algo sobre el arte en Facebook. Es un tema que no carece de audiencia y dispone de muchos ejemplos concretos e interesantes, razones suficientes para atraer a los lectores de este blog. Pero, como pasa en cualquier trabajo creativo, las cosas no salen siempre como las planificamos; y, encontré  este vídeo:

Como podrán darse cuenta, no cambie mucho el tema de esta entrada: Facebook, sigue siendo un “personaje” en mi artículo. Solo que, en este caso, su fundador, es el único elemento en común al arte. Porque el Speed Painting, se encargó de eso.

El Speed Painting (literalmente, en castellano, “pintura veloz”) hace parte de la familia “Arte digital”. Y consiste en un vídeo, donde toda la actividad artística (dibujo o pintura), se reduce en términos de tiempo. En lugar de ver como el pintor tarda unas cuantas horas para acabar su obra, podrás ver lo mismo, acelerado, en unos cuantos minutos. Mientras que la imagen se está realizando en una tableta grafica, cada acción de la pantalla del ordenador es automáticamente capturada y compilada en tiempo real. Luego se va editando (se cortan o se añaden ciertos componentes), en programas de creación y edición de imágenes, como Photoshop o Painter. Al final, una banda sonora hace aun más dinámica esta creación.

Esta producción audiovisual reúne, en gran parte, retratos de gente más o menos conocida. Algunos, bastante famosos. Mona Lisa, Spirderman, or Albert Enstein hacen parte del repertorio de artistas como Martin Missfeldt o Nico di Mattia.

En You Tube, puedes encontrar un montón de vídeos con diferentes temas y personajes, ahí también hay tutoriales, para los que quieren intentar a realizar su propia “pintura veloz”.

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Latinoamérica tiene su propia historia del Net.art

Conocemos la historia del net.art por sus pioneros americanos, rusos, por la denominación del termino, después del mensaje indescifrable, cuyo destinatario era Vuk Cosic. Pero pocos sabemos que hay una historia paralela del net.art, que nace en America Latina. Hacia 1995, en algunas ciudades latinoamericanas se instalan los primeros nodos de acceso a Internet. Los primeros, en Uruguay (el país de origen de Brian Mackern y la netartlatino database) y Chile; ahora junto a Argentina y Brasil, son las mas reconocidos en materia de net(dot)art en el mundo latinoamericano. Cuando Internet hacia sus primeros pasos en America Central y del Sur, los experimentos en la red empezaban en 1996, con netart.org.uy, de Brian Mackern, findelmundo.com.ar o la revista virtual, www.escaner.cl

America Latina, a través la voz de Pablo Peralta, defiende al uruguayo, Brian Mackern, que debería figurar –  según sus connacionales – , en la lista de los siete pioneros del net art. Su merito seria haberse anticipado en el uso de la herramienta Flash y los recursos sonoros.
Esto, añadido a la declaración de Vuk Cosic, quien no se autoproclama artista fundacional (“Alexei escribió esa estúpida historia acerca de mí para divertirse, y ese e-mail todavía sigue siendo la obra de net.art a la que mas referencia se hace.”), podría ponernos a pensar donde realmente fue el lugar principal de emisión de esta practica vanguardista.

NetArt Latino Database

La netart latino database (NALD) tiene una manera original presentar la información. Un mapa invertido, remake de un dibujo del uruguayo Joaquín Torres García (1941) , en ASCII, nos da la bienvenida. Alrededor del campo visual, considerado estéticamente low-tech, observamos los dominios con abreviaciones de cada país hispanoamericano. Un enlace tiene un dominio, una terminación por contenido y, en algunos casos, una terminación territorial ( por ejemplo, www.liminar.com.ar. Aunque, muchas veces, los artistas consagrados del netart guardan dominios estadounidenses, (.org o .com) – www.proyectotrama.org, www.arteuna.com etc.

Mapa invertida. Net.Art Latino Database

Algunos artistas latinoamericanas, escogieron presentar sus contenidos en su lengua   materna. Pero no todos, En los de “.com”, vemos con frecuencia el ingles, pro ejemplo.   Lands Beyond (Brasil). Igual por el francés : Postales / Gabriela Golder. Pocas son   bilinguas, y la mayoría, escojen el ingles. Es también la opinión de Laura Baigorri (2006) :   para los “artistas latinos making global art”, la anglodependencia es una característica de la    red. La base de datos, fue creciendo poco a poco desde el 2000, pero ahora dispone de   bastantes enlaces “ciegos”, que ya no existen. Es el caso de mearte, pero cuya historia  quedo guardada en archive.org.

Visitando la mayoría de estos websites, con trabajo de artistas mexicanos, argentinos, brasileños, etc., he tenido la sensación que el estilo latino transcurre, pero que, en esencia, la técnica sigue la misma lógica (¡claro, si es también netart!). Si quieres convencerte tu solo de la diferencia entre las dos, o hacerte tu propia opinión sobre el estilo hispanoamericano en términos de net.art, aquí encontraras una variedad de obras representativas.

netart.org.uy/latino/

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Un puñado de arena hace maravillas

Arte en la arena, arte sobre la arena, arte con la arena, llamémoslo como lo llamemos, se trata de la misma forma expresiva, espontanea que aporta ese algo nuevo y diferente en el mundo artístico contemporáneo. Aparentemente, para narrar no necesitamos únicamente utilizar palabras; unas manos mágicas, una mesa iluminada y un puñado de arena son suficientes. El resultado es una animación  – con música de fondo – que despierta la sensibilidad del publico ( por aquellos que entienden y saborean este tipo de arte).

Dibujar en la arena no es una tarea muy fácil, dado que no mucha gente la practica, pero es una actividad que requiere de mucha concentración, talento y dominio. Lo que sorprende es el efecto realista de este tipo de obras. Tenemos la impresión de que una película grabada en directo se lleva a cabo frente a nuestros ojos. Y es allí donde nos damos cuenta que el arte en la arena esta cargado de muchos sentido y naturaleza.

El arte con la arena es algo más que un juego.Lo quiso demostrar, Kseniya Simonova, una joven artista ucraniana, quien mueve sus manos creadoras para ilustrar en unos segundos, escenas acerca de la historia de su país. Su proyecto fue considerado el mejor, en el concurso Ucrania Tiene Talento; la joven asombró la audiencia cuando “pintó” un historial en imágenes sobre la ocupación alemana en su territorio natal durante la Segunda Guerra Mundial. Y aunque eso paso hace mas de dos años (en 2009), vale la pena recordar ese momento. Por la simple razón de que ella junto con la israelí Ilana Yahav, elevaron a rango de arte una técnica que hasta poco, se consideraba una expresión bastante infantil.

La industria de la publicidad, aprovecho esta técnica para atraer la atención del publico. Una de las “responsables” de anuncios publicitarios en arena, es precisamente, Ilana Yahav. En su pagina web, denominada sugestivamente, Sand Fantasy, la creadora  testimonia sobre como llego a apasionarse con esta nuevo forma de expresión artística. A parte, cuenta sus experiencia y como a hecho cada una de ellas “un espectáculo de otro mundo”.

El arte con la arena inspiró también algunos directores de videoclips musicales. Acompañando las letras de la canción, las imágenes dibujadas en arena cuentan una los sentimientos de una mujer mas fuerte, en equilibrio, mas cerca de la naturaleza.

El arte en la arena toca su punto más alto y competitivo en El Festival Internacional de Esculturas en Arena, Sandstation. El concurso cuenta ya 9 ediciones y, el próximo año, tendrá lugar de nuevo en Berlin. Las obras son grandes, algunas, gigantes. Las pueden consultar directamente en el sitio oficial Sandstation.com. Desgraciadamente, no hay museos o exposiciones permanentes de dibujos o las esculturas en la arena. En las playas, el viento y la lluvia mandan sobre las creaciones inéditas, pero con solo inmortalizar la obra en fotos o video-clips, recordamos que la imaginación no tiene limite. Miren, por ejemplo esta foto. El escultor debe de haber puesto toda su inspiración en esta maravilla, creada en arena húmeda.

Escultura en la arena ( Fuente : paginabierta.com)

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El arte interactivo y el espectador como protagonista

El arte se ve inmerso en el tema tecnológico y de innovación. Y cada día las propuestas se vuelcan más hacia lo interactivo, donde el espectador participa y es una pieza clave de la experiencia artística. El arte interactivo no es más que la práctica artística contemporánea en la cual el observador participa directamente con la obra, no como suele ser tradicionalmente que sólo puede ver e interpretar.

Hay esculturas que permiten al observador camine sobre, en, o alrededor de la obra.

Escultura de Jaume Plensa. Podéis saber más sobre él haciendo clic en la fotografía.

El siguiente vídeo es una apuesta en esta dirección, que toma una tecnología en navegadores web llamada WebGL, y renderiza gráficos en 3D. El vídeo de pronto parece pintado a mano y podemos escoger la dirección mediante el mouse. Es decir, interactuación al máximo, cada usuario puede elegir que dirección toma su sueño. Se necesita tener google Chrome para verlo.

Para aquellos que anden cortos de tiempo pueden ver el trailer del videoarte en: http://bit.ly/romeinteractivo

Podríamos poner muchos más ejemplos de diferentes formatos de instalaciones interactivas. Pero vamos a finalizar dichos ejemplos con una compañia catalana de teatro-espectáculo. Ellos son La Fura del Baus cuyos rasgos clave son: interacción con el público, utilización de espacios insólitos y adaptación de la escena a las características de cada espacio.

También tienen su página http://www.lafura.com/web/cast/home.php.
Os invitamos a que averiguéis por vuestras propias carnes lo que se siente al interactuar con cualquier forma de expresión artística.

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Antuan el 8, nuestro net-artist de la semana

En esta ocasión os presentamos a Antuan el 8 un reconocido referente en el mundo del net-art actual.

A este artista madrileño le gusta identificarse como un hacedor de cosas. Defiende y reivindica el refrán: “Aprendiz de todo, maestro de nada”, pero no de una forma peyorativa sino todo lo contrario. Huye de todo tipo de etiquetas y encasillamientos absurdos a la hora de definirse. No cree que una persona sea una cosa y solamente eso. Él expresa sus sentimientos, emociones, y estados de ánimo de la manera que su cuerpo le dicta, ya sea pintando, fotografiando, haciendo un vídeo, tomándose unas cervezas en el bar o a través de la música. Lo único que pretende es mostrar lo que va aprendiendo de sí mismo y lo que siente en ese momento sin ser dueño del soporte a utilizar. A menudo su obra, le va sugiriendo otras ideas que le llevan a crear una caja de zapatos de lo que iba a ser un acrílico. Y es que cambiamos constantemente y no debemos resistirnos a eso.

Nosotros vamos a centrarnos en su obra net-art que es un concepto y un soporte surgido hace ya casi dos décadas pero cada vez más producido.

 

Como podemos ver en dichas obras, el arte digital o net-art es todavía una forma de expresión relativamente nueva y en gestación. La novedad del medio conduce a una trascendentalización de piezas digitales sin una revisión adecuada de su calidad, creando un corpus de obras que probablemente no superen la prueba del tiempo. Siendo el arte digital producto de la tecnología informática, se da la tentación de distinguir el arte tradicional del digital señalando que éste es tecnológico, y el resto no. La tecnología consiste básicamente en un instrumento o procedimiento que posibilita una creación, y en ese sentido no existe diferencia entre un pincel y una paleta gráfica, pero es común encontrar clasificaciones de arte digital basadas en el soporte usado: net-art, CD-Rom-art, videoarte, instalaciones interactivas y sus híbridos, que suelen etiquetarse como «arte multimedia».

Podeis ver más sobre este hacedor de arte en :  http://antuanel8.artelista.com/

Él, te enseña lo que le ocurre en ese momento, pero si no te gusta da igual, va a seguir creando cosas…

Espero que os guste tanto como a nosotras!!!

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El screensaver, un pedazo del Software art

Todo tipo de construcción visual, diseño o creación artística, imagen animada o audio en computadoras que se hace mediante el software se llama Arte del Software. (Software art, en ingles). ¿Cómo funciona esto? El programador crea el código y objetos digitales cuyas propiedades serán ulteriormente transformadas para generar una obra.

Una muy buena plataforma para el software son los screensavers, considerados como una parte de subconsciente del ordenador. Pude ser vista como una obra de arte contemporánea. Los screensavers te pueden hacer sentir como en una película con efectos especiales. Un trueno, la vida en el mar, el sonido del bosque, la natura entera puede acompañarte. Es así como, el usuario llega a disfrutar de su propio medio ambiental en su casa.

La mayoría, pare hacerse más útiles, tienen un reloj digital (digital clock). Las más sofisticadas y solicitadas tienen un precio, otras pueden ser descargadas “for free”, es decir, gratuito. El paquete incluye la instalación y/o la desinstalación de un archivo ejecutable.

Los screensavers tienen la vida corta. Un simple clic puede “matar” el screensaver. El ciberartista Teo Spiller es muy consciente de eso; su manera de mostrarlo ha sido creando el Screensaver Dramático 2.0 para Windows ( Dramatic Screensaver), [“runme.org“, Macros Centre, Moskva, Russia]. Os recomiendo ver el “monologo” escrito en la pantalla negra. Opino que es un screensaver particular, más “humano”.

En interesante observar la evolución de los screensavers. Al principio configuraban una imagen artistica, pero simple, a veces con movimientos estándar. Hoy, los screensavers son como una mini-película que se desarrolla frente a nuestros ojos. En un entorno tridimensional la simulación se convierte en sinónimo de la perfección.

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La Tabacalera

Existen lugares donde diferentes tipos de expresiones se unen y manifiestan en conjunto. Estos lugares suelen ser sinónimo de buenas vibraciones, grandes energías y disfrute.

La Tabacalera es uno de esos lugares.

Hace unos meses fuí a visitar a una amiga a Madrid, ella vivía con actores que estudiaban en la ciudad y juntos habían descubierto este rincón.  Al salir de la parada de metro de Embajadores encontré el mágico edificio, un centro social autogestionado en la antigua fábrica de tabacos de Lavapies. Quizá para aquellos que no lo conozcan os sirva de imagen mi primera impresión, algo similar a aquella casa de artistas en la que la protagonista de Caótica Ana se instruye. No obstante, tan solo era la primera impresión de muchas más y mejores.

Nosotros estábamos allí para reunirnos en una de las salas con un par de estudiantes de la RESAD, de la especialidad de gesto, que se habían citado para experimentar un rato. Sin embargo, mi amiga y yo continuamos paseando por esas habitaciones tan libres, tan abiertas, cuyas paredes cantaban mil dibujos y pintaban cientos de melodías.

Recuerdo que además de esta primera sala había tantas otras, alguna con ordenadores, donde un grupo se reunía conectado, otra con pinturas, otra donde una joven posaba y otros cuantos la tomaban como modelo, inmortalizando su figura a lápiz. En alguna estancia se respiraba un saborcillo verde y en otra, un tanto más lejana, se proyectaban videos, obras o cualquier cosa que deseara ser mostrada u observada.

Tomamos prestado un video de Juan Rayos, autor que comentamos en una entrada anterior, para ejemplificaros la sala de skate.

La sala común fue una de las que más me motivó. La música sonaba en directo casi constantemente, y el calor de la gente, sus sonrisas y sus miradas palpitaban al mismo tempo.

Consideramos muy valioso que se tomen iniciativas de este calibre, que se lleven a cabo con responsabilidad y buenos deseos, ansiosas de compartir valores alternativos y siempre positivos. No podíamos dejar pasar la oportunidad de haceros partícipes de ello.

Imágenes del acondicionamiento e inauguración.

Más sobre el lugar en

http://latabacalera.net/

http://capturandolatabacalera.blogspot.com/

Y a continuación unas bonitas instantáneas de África Z.


Felicidades Tabacalera. Seguiremos visitándote, que cada día seáis más.

La vida es una cuestión de experiencias estéticas.

Andrés Belmonte, un gran maestro de música.

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Google Logo, primer contacto con el arte en la red

¿Saben que es un Google doodle ? A parte de dos palabras que riman…No es ni más ni menos que un diseño, que se ha creado para adornar el logo de Google, para hacerlo más atractivo y dinámico. Pero no es un diseño cualquiera. Tiene un significado aparte, justamente para hacer recordar a la gente un evento, el aniversario de una personalidad.

El concepto nació en 1998, cuando los fundadores de la compañía americana Larry Page and Sergey Brin, han creado el primer doodle para el motor de búsqueda. Un hombrecillo en forma de “o ” aparecía detrás del segundo “o” de Google, creando un efecto cómico y un alboroto entre los internautas. ¿De qué se trataba? El mensaje ha recibido rápido una interpretación: un aviso cómico de parte de los fundadores para declararse “Out of Office” (Fuera de la oficina). Era por la primer vez que Google cambiaba de su típica apariencia, por algo simple, pero diferente.

El primer logo doodle de Google para el festival "Burning Man ", Agosto 1998.

La idea fue atrayendo los internautas, tanto, que hoy en día, las animaciones han pasado de ser un simple juego. Son mas complejas y toman el rumbo de la arte en la red, mediante sus animaciones originales. Variando de un país a otro según sus personalidades y eventos más destacados, los logotipos han avanzado de unos cuantos, en sus inicios, a cienes de diseños cada año. El resultado actual: un historial de 215 logos creados en 15 años por un equipo no muy numeroso. Pienso que es un gran salto por el arte en la red porque el mundo tecnológico se va complementando más y más con la creatividad artística. Como también tengo motivos para creer que hay mucho futuro por delante en este concepto. No estaría mal que los doodles sean más frecuentes. ¡Hay muchas cosas para celebrar en este mundo! ¿No? Siempre y cuando esta práctica no se banalice y baje los estándares de cualidad e ingenio a los que nos hemos ya acostumbrado.

Google 4 Doodle

Los logos de Google son desde hace poco muy interactivos también. Google 4 Doodle es una competición de los Estados Unidos, en donde los alumnos y los estudiantes están invitados a mostrar su talento y a hacer su animación o diseño, famoso. Y a obtener una beca de estudios de 15 mil dólares, más unos 25 mil dólares para su escuela. El ganador del 2011 es un niño de 7 años, Mario López, que dice haber sido inspirado en su obra por el famoso astronauta Neil Armstrong.

El "Doodle 4 Google"ganador en 2011: "Space Life" de Matteo Lopez (California)

El concurso ha traspasado fronteras para llegar a países como India o Suecia. Probablemente, muy pronto, Google 4 Doodle será unos de concursos de creatividad más anhelado en muchos países.

Para más información sobre Doodle 4 Google y mas diseños,  te dejamos esta pagina web: www.google.com/doodle4google/

Si tienes tu propio Google doodle y deseas ensenarlo, el equipo de la compañía está listo para recibirlo aquí: proposals@google.com.
Para ver todos los logos oficiales de Google sigue este enlace:  www.google.com/logos/

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Las 7 mejores Web Art

El concepto de atractivo de un Web site podríamos establecerlo en términos de todo aquello que conforma el sitio Web al margen del valor objetivo de sus contenidos o aportación funcional, que induce a la audiencia a desear repetir la experiencia de una nueva visita.

Aunque cualquier experiencia-Web es subjetiva, desde luego hay factores probados de diseño e implementación que generan “agradabilidad”, “confiabilidad”, entretenimiento y satisfacción en general tras la actividad en la gran mayoría de usuarios de un sitio. Lo que implicará que, tras abandonarlo habrán percibido la experiencia como positiva y agradable, además de útil.

El hecho de que una visita a un site sea fructífera puede ser debido en gran medida al valor intrínseco de sus contenidos, de la información que suministra a cierto perfil de usuarios interesados en lo publicado. Pero ni el site tiene porque ser sugerente, ni la experiencia de la visita especialmente agradable, más allá de su utilidad.

En otros casos, cada experiencia de uso puede no ser desagradable cuando el usuario está familiarizado con el interfaz. En estos casos los usuarios que repiten la experiencia lo harán en gran medida por la adecuación de los contenidos a sus demandas o por desconocimiento de alternativas, pero no se garantiza la repetición de la visita de nuevos usuarios.

Tras analizar factores de muy diversa índole que afectan a la calidad de la experiencia que la audiencia experimentará durante y tras la visita a un sitio, nos animamos a seleccionar los 7 mejores diseños websites. El criterio de selección se basa en el caracter artístico de las mismas, que afectará a aspectos de usabilidad, arquitectura de información, diseño o emocionales e incidirán en menor o mayor medida en cuan confortable y sugerente es percibido el site por su audiencia.

   Jonathan Yuen. To Touch someone’s heart with design.

 

 

 

 

 

 

   El Perro En La Luna,  fantástica productora argentina de Sebastián Mignogna que realiza cine, televisión y publicidad.

 

 

 

 

 

       L’artist Jacques Tati. La vie , cést très drôle, si on prend le temps de regarder.


 

 

 

       El Bejas, donde el arte se cuela por las rendijas de los zapatos.

 

 

 

 

 

     Xevi Vilaró, el contrast entre la senzillesa la inquietud i sofisticació que emana de les seves pintures.

 

 

 

 

 

Babel Orkesta, es una ecléctica agrupación formada por cinco músicos y tres actores, que combina diferentes ritmos y músicas del mundo, en un espectáculo donde lo musical y lo teatral se conjugan y complementan.

 

 

 

 

   あずさ真野、日本のグラフィックデザイナー

   Azusa Mano, diseñadora Grafica Japonesa.

 

 

 

 

 

Con esta selección de Web sites de diferentes disciplinas artísticas quedá bastante patente que el Net-Art , a través de las webs se tranforma en arte.

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Carreteras sin final

“En nuestro documental se va a ver mucho estilo de vida, historias y risas. Mucho intercambio cultural porque cada una somos de un sitio. De Perú, de Estados Unidos, de Argentina, de Madrid, del País Vasco. Van a ver el buen nivel que también pueden tener las chicas que practicamos longboard.”

Valeria Kechichian.

La creación de estos documentales de seductora estética surge del trepidante viaje de Longboard Girls Crew, que sobre una Volskvwagen T2, vehículo de surferos, recorren alrededor de 4.000 kilómetros por España, rodando en lugares como Cabo de Gata, Dénia, Valencia, Mallorca, Toledo, Ávila, Santiago de Compostela o A Coruña.

Son las chicas esta vez las que toman las flexibles y deslizantes tablas para sumergirse en el espacio y la velocidad del viento. Las patinadoras conocieron la afición que las unía en la cuesta de Moyano, Madrid, donde además comenzaron a ser grabadas por Juan Rayos y su Canon 5D. El proyecto, dedicado a la red, ha llegado a alcanzar dos millones de visitas en Youtube y Vimeo, contando ya con 61.560 seguidores en facebook.

La obra, de evidente talento, tiene un plus además del artístico pues supone un ejemplo de aventura, deporte y ante todo, amistad. Por su parte, la calidad de los videos es brillante, una muestra más del provecho creativo que se puede obtener de trabajar desde internet, deleitando a los sentidos desde la pequeña pantalla del ordenador.

Sin embargo, nuestro consejo va más allá del escritorio. Que esta empresa y sus episodios os inspiren a llevar a cabo hazañas similares.

http://longboardgirlscrew.com/

Bon voyage!

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VENTArt / COMPRArt en WWW.

“Comprar arte” en el motor de búsqueda. Clic. Cientos de páginas en línea a disposición para comprar “arte online”. Otros enlaces enseñan y aconsejar como comprar arte en la red. Las posibilidades crecen a medida que la web se desarrolla. Y hay millones de personas que se dedican a comprar y a vender arte, en todo el mundo. Antes, la gente iba más a tiendas especializadas de antigüedades, a exposiciones de pinturas, fotografía o participaba a subastas para adquirir un cuadro, una escultura etc. Actualmente, el ciberespacio lo facilita todo. Por orto lado, este tiene sus desventajas, como cualquier compra a distancia. Estamos a punto de descubrir más sobre la venta del arte en la red.

¿Qué admiramos, Qué juzgamos, Qué compramos?

Hay cientos de miles de obras en una sola página (¡hay que reservar mucho tiempo para eso!, pero no creo que los verdaderos amantes del arte se quejen). A demás, novedades en materia del arte, eventos y curiosidades. Para no perderse entre tantas obras, se puede buscar por categoría, según el país, el tipo de obra, el precio etc. Maestros desde la Antigüedad hasta el Modernismo, colecciones independientes, asociaciones o compañías, que hay de todo. Ya no existen barreras físicas porque vía Internet, se pueden comprar objetos de más de 40 países. El inconveniente mayor es que no llegas a ver personalmente el objeto antes de adquirirlo. Pero, una idea se les ocurrió a los comerciantes: una simulación en la red para comprobar cómo quedaría la obra en el salón de la casa. Escogiendo el color de la pared, el comprador puede tomar la decisión final. Si no queda contento, existe la posibilidad de devolución no se descarta, pero el plazo puede llegar a ser muy corto.

La cartera manda… a veces.

Unos dirían que el arte no tiene precio. En otro sentido, sí que lo tiene. Y este llega desde 10 euros, lo más barato, hasta más de un millón de euro. En el espacio virtual, como en la vida real, el cliente tiene que quedar satisfecho (¡para que vuelva!). Un buen precio es primordial. Por eso, las galerías “Low cost” no faltan – sin embargo, no hay muchas – las subastas, tampoco. En este último caso, el comprador tiene la satisfacción de establecer su propio precio, pero con fecha límite y unos rivales de subasta a la orden. Según las estadísticas, se licitan más de mil piezas al mes en uno de esos. En el afán de ganar la subasta, los compradores van más allá del precio estimado.

Por mi cuenta

¡Red social, hazme publicidad!, gritan los artistas free lancers . El desarrollo del web, sobre todo la aparición de los redes sociales los ha favorecido. Facebook, Twitter o los blogs no se quedan menos en este negocio o entretenimiento artístico. Los artistas cuentan con la propaganda en las redes sociales. Al fin y al cabo es gratis, rápido. Inspirados por la crisis económica, algunos abrieron un espacio en la web, donde venden pinturas y fotografía, a partir de precios aceptables.

¡No todo lo que brilla es oro!

Comprar, tanto como vender una obra por Internet tiene sus riesgos. No hay que confiar en todos los websites. Hay que mirar con atención los detalles, si la empresa esta registrada en alguna parte o si ofrece suficiente información de si misma. Al mismo tiempo, hay que saber desde un principio cual es la política de devolución y verificar que no tendrás ningún problema con la compra online. Si eres artista, tienes que saber que hay supuestos clientes que sacan la información, con el único propósito de vender la misma obra en otro sitio a un precio por debajo del mercado.

Más en la red:

Artelista.com

Picassomio.com

Artwansongallery.es

Setdart.com

Artnet.com

http://www.redbubble.com/people/darioalvarez

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Nunca el invierno había sido tan cálidamente representado

Existen acontecimientos o emociones a los que las palabras no llegan, donde se muestran insuficientes. No obstante, el sonido puede hacerse su amigo, y junto con el cuerpo, alcanzar el entendimiento.

Por lo no dicho.

Esta es una de esas ocasiones que adelantábamos como aquellas que acercan el arte tradicional a la red. Sin embargo, nos vamos a hablar de un solo arte, sino de la conjunción de dos tipos de maravillosas expresiones: la danza y el cine.

El pasado 30 de Septiembre me dirigí ansiosa a ver un documental que llevaba tiempo esperando, y no pudo ser más gratificante. Pina 3D, de Wim Wenders, es un extraordinario homenaje a la bailarina y coreógrafa Pina Bausch.

No obstante, no se trata de un simple montaje de imágenes nostálgicas, es mucho más, es una obra maestra que aúna técnica, sentimiento, emoción y veracidad. Esta muestra de danza contemporánea, casi teatral, te sumerge en la escena, en su esencia, en la vibrante magia que envuelve a un artista y a una verdadera obra de arte. Porque debe emocionarte a rabiar, debe excitarte, debe demostrarte que este mundo en el que habitas es mucho más amplio, más místico; es superior.

Todo amante de la belleza debe dirigirse al cine de inmediato, porque esta vez, la cámara ha sido capaz de capturar aquello que generalmente sólo el directo puede lograr; el duende. El duende de cada uno de los miembros de la compañía de Pina, aquel bribón salvaje que rasga los corazones de los incrédulos y los lleva ante los mismos abismos de la sangre, como diría Lorca.

Hermosas imágenes, estelar sonido, sonrisas aseguradas y Pina, tras una mesa con su cigarro. O aún mejor, rodeada de sillas, en el Café Müller.

Que cada cual encuentre su experiencia personal.

Bailad, bailad, o estamos perdidos.

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Blu, el graffiti se muda a la red.

Todos sabemos lo que es un graffiti, pero como todo movimiento tiende a innovarse y actualizarse para sobrevivir.

En esta oportunidad, el graffiti encuentra a Blu, el artista argentino que libera seres fantásticos en la ciudad. Su nueva manifestación del arte, tan efímera como permanente en cada una de sus plataformas de representación, refleja la sinergia activa entre la llanura del lienzo de un artista que sabe explotar la utilización de objetos urbanos haciéndolos interactuar con su expresión gráfica, dotando de vida a su obra.

Este fenómeno encuentra en la red su inmortalidad, porque es aquí donde nace, vive, y es compartida a diario por los internautas que buscan otro tipo de arte en el mundo digital.

Blu utiliza la técnica del graffiti por stop motion, es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

Podrás encontrar más sobre este artista en su site oficial.

Graffiti-blu-artedigital

A partir de aquí se han desarrollado plataformas que invitan a vivir en primera persona la experiencia de crear online tu propio graffiti. En sitios como Graffiti Creator puedes elegir la fuente a utilizar, teclear el texto y jugar con los colores, estilo de fuente, inclinación, rotación de letras, posición y muchas otras opciones , para ser grafitero por un día.

¿ Conoces otra manifestación artistica que se propague en la red ? Te invitamos a compartirla con nosotras.

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El Net Art no es huérfano

El gusto por el arte no se lleva solamente en las venas, en una exposición o en un concierto, se lleva hoy en día, también en la red. El libre intercambio de pensamientos y proyectos artísticos se desarrolla con mucha rapidez en internet. Y sus formas de expresión son infinitas.

Imagen: newmedia.umaine.edu

Como no existe palabra sin etimología o personas sin ancestros, de la misma forma, el Net Art no carece de origen. El ejemplo adanistico es justo un espejo de la red en su propia infancia. Jodi.org nace en 1994/1995,  justo cuando el World Wide Web daba su mejor paso.

En medio del desarrollo fenomenal del sistema de archivos hipertextuales y de la computación misma, Joan Heemskerk y Dirk Paesmans proponen un juego, una parodia, de su propio soporte de producción. Al visitar wwwwwwwww.jodi.org los internautas se topan con una composición caótica de signos, puntos y cifras intercaladas. El navegador olvida sus juegos, sus nuevos programas de post-producción y trata de captar el mensaje, obviamente, incomprensible. Cualquiera podría tardar mucho con la boca abierta frente a su pantalla. Ninguna explicación parece posible. En realidad, todo es una visión artística, humorística y tal vez crítica de cómo nació el internet…en este caso, la web aparece despellejada de su interface perfecta y su pantalla estética.

Los creadores de Jodi insisten en dar la impresión de error informático y crean 404.jodi.org, una clara referencia al Error 404, que indica “File not found” (documento no encontrado). Unos clicks adelante, otros atrás y vemos fondos de diferentes colores, muy llamativos – turquesa, rojo, fucsia etc. Y un botón blanco intermitente. Conclusión: la “pagina” no es inalcanzable, como el HTTP (hypertext transfer protocol, o protocolo de transferencia de hipertexto) lo indicaría normalmente en caso de un verdadero error 404. ¿Por lo tanto se trata o no de un error informático? Se trata de un juego-imitación y de un ejercicio de imaginación, de maneras diversas para leer una información, para recibir una respuesta o un feedback.

Si con respeto al origen, ya sabemos por donde empieza el NetArt, cuando de destino se trata, es imposible apreciar donde vamos a llegar en los próximos años. Lo que sí está seguro es que el camino sigue, como en los juegos de Jodi, abierto a muchas posibilidades de expresión artística por la red.

Una descripción amplia de esta primera obra de NetArt quitaría el encanto del juego y mataría su curiosidad, queridos lectores. Por lo tanto, os invitamos a pinchar los enlaces de Jodi…

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CURATORS’ NETWORK

Una buena de manera de comenzar con el propósito de este blog es presentándoos la plataforma Curators’ Network.

Se trata de una serie de encuentros culturales que pretende fomentar el intercambio de conocimientos entre artistas europeos, al tiempo que introduce nuevos participantes al círculo.

Basado en el ‘fenómeno isla’ se felicita la facilidad que proporciona la red para conocer cualquier rincón del mundo, sin embargo, el fácil acceso a todo tipo de información hace más invisible a los que todavía no están presentes en los formatos digitales y en varios idiomas.

Por tanto, el proyecto es definido de manera que cada miembro de Curators’ Network invita a los demás participantes de la red, junto con otros profesionales del arte, a conocer in situ el panorama cultural emergente de su país. Se prioriza sobre artistas, agentes y entidades que todavía no son conocidos en el extranjero pero que tienen calidad e interés suficientes como para ser introducidos en los círculos internacionales.

Por ahora, Curators’ Network organiza cinco encuentros en España, República Checa, Rumanía, Hungría y Polonia además de una exposición colectiva en 2013.

Os animamos por tanto a consultar la página oficial del evento, que puede ofreceros información más concreta sobre el asunto.

http://www.curators-network.eu

Pies para que os quiero, si tengo alas para volar.

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Amárrate el cinturón

Netarthunter te lleva de visita por la selva del arte, que carece de límites y represiones. Pretendemos capturar novedades, noticias e historias de la actualidad artística para la red, al tiempo que ayudamos al arte tradicional a alcanzarla también.

!Bienvenidos a nuestro colorido paisaje!

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